Do-ga-ni (2011)

a.k.a.: Silenced

Arranca avisándote que está basada en hechos reales, para asegurar que a partir de ese momento empieces a llorar a moco suelto.

Hace tiempo que no veía una película de este estilo, tan cruda como bien desarrollada, donde las personalidades, las actitudes y los mensajes están muy claros, la historia está muy bien contada, no se le escapa ningún aspecto clave y además los actores son excelentes, interpretan muy bien el papel... y eso que incluyen niños sordomudos.

La historia, en breves palabras para que se hagan una idea:
En una escuela estatal para sordomudos de Gwangju, un profesor de arte comienza a descubrir una oscura realidad de hechos de violencia y maltrato excesivo sobre los niños. A medida que va levantando la alfombra va encontrando mugre de poder, odio, perversión, corrupción... etc.

Hechos como éstos lamentablemente sobran en la realidad más que en la ficción, pero me parece muy valorable ver el excelente trabajo que realiza el director para mostrar esto de lo que no nos podemos hacer los boludos.
Te atrapa, hasta el último momento que cuando creés que no hay más nada que ver ni hacer, surge un nuevo escenario en el que el espectador vuelve a intentar respirar.

Vale la pena mirarla, pero prepárense para llorar un largo y tendido, y destapar sentimientos de odio, impotencia, tristeza, esperanza y muchas reflexiones más que corren según la mentalidad de cada uno.

Te parte el alma.

http://www.silenced2011.com/

The artist (2011)

¡Qué embole!

Otra película no lograda.
Cuenta la historia de un viejo actor exitoso de cine mudo y su comed-drama de amor, fama y backstage sobre el romance que tiene con una joven actriz que comienza a triunfar en el cine hablado cuando éste comienza a destronar del éxito al cine mudo.

Tiene cosas buenas: La actriz es realmente encantadora, tiene una cara muy fotogénica y una expresividad notable. El protagonista también tiene su crédito de buen actor.
El hecho de estar en blanco y negro además le da linda luz a la imagen, sin embargo (desde mi ignorancia) me dió la sensación de que quisieron lograr una estética de época (1930) pero no les salió... La imagen brilla como metal de la nueva tecnología en vez de tener la opacidad del celuloide de antaño.
La música no es mala, a diferencia de los otros aspectos, este sí logra situarte en el Hollywood de los '30: Bastante aburrido, por cierto.

Le faltó principalmente, ritmo a la trama. Al ser muda, las escenas tendrían que subir y bajar la tensión (o intensidad de los hechos, por expresar de alguna forma) mucho más en cada escena, y simultáneamente, dado que la historia es tan trillada, deberían haber usado alguna forma más original para contarla (por ejemplo, detalles sorpresivos, minihistorias entrelazadas, etc.)

En conclusión, les sugiero que si les interesa ver algo de cine mudo, remitanse a las de aquella época, que están hechas por "expertos" de su propio estilo.

Muyeong geom (2005)

a.k.a.: La espada sin sombra

Si alguna vez en tu adolescencia prendiste el tele a las 3 de la tarde de un aburrido día de lluvia sin planes y te fumaste "Jamás besada" o "10 cosas que odio de tí" (prometo no pedir la opinión respecto a ellas) seguramente me comprenderás cuando digo que ésta es una peli que hubieses visto en la misma situación ... si hubieses nacido en Corea.
La historia trata sobre Yeon So-ha, una increible guerrera que es enviada en busca de Dae Jung-hyun, (único heredero del trono que huyó del reino muchos años atrás) para convencerlo de que regrese... y para protegerlo de los malos.
Los malos: Un general tirano que tiene un ejército asesino, y lógicamente una hermosa guerrera asesina que pelea a su lado, y tienen como objetivo matar al príncipe y a todo el que se les cruce por el camino y los mire feo.
... y por si no se te ocurrió todavía, nuestra pareja de protagonistas son los mejores peleadores del continente.

La historia es floja... flojísima, y está flojísimamente aflojada. Estem... Quiero decir... eso.

Para ver espadas, artes marciales y orientales hermosas hay películas mucho más valiosas de un director que no nombraré para no hacer publicidad encubierta.
Aunque parezca violentamente lo contrario, no quiero decir que es malísima, pero realmente no es más que un pasatiempo para niños sin nada que hacer.

He dicho.

The cell (2000)

- ¡Mientes! Perra, zorra... ¡puta!
- Suenas como tu padre.
- ¿Mi padre? NO ERA NADA. ¡NO ES NADA!

Es complicado presentar correctamente a una peícula como "The cell". Debería, bajo toda métrica, ser un desastre; es la primera gran película de un director de videoclips (Tarsem Singh) con una protagonista (Jennifer López) poco reconocida por su talento artístico y un guión que, en pleno 2000, evocaba tanto al "El silencio de los inocentes" como a "Matrix". El resultado demuestra que en este tipo de experimentos no hay medias tintas. Es sencillamente excelente.

Carl Stargher (Vincent D’Onofrio, comíendose la pantalla) es un asesino serial que encierra a jóvenes en una cámara para luego llenarla lentamente de agua y ahogarlas. El FBI, bajo el mando del agente Novak (Vince Vaughn) se encuentra a punto de apresarlo y liberar a su última victima cuando Stargher cae en coma, producto de virus que lo deja en un raro estado de esquizofrenia. Permanente, explica un doctor.

Al mismo tiempo, tenemos a a Catherine Deane (J-Lo) , una psicóloga infantil reclutada en un proyecto experimental que permite a dos personas compartir, literalmente, sus mentes. Nos enteramos que un poderoso billonario tiene a su hijo en estado catatónico y Catherine trabaja con el mismo, visitándolo dentro su propia mente e intentando convencerlo de volver al mundo real. Es entonces cuando el FBI sugiere usar la misma tecnología para entrar a la mente de Stargher y conseguir la ubicación de la victima antes de que sea tarde.

Este argumento, trillado si se quiere, es utilizado efectivamente para establecer una historia de persecución que ya de por si tiene un muy buen ritmo. La película, sin embargo, estalla cuando Catherine ingresa por primera vez a la mente del asesino.

Es muy común encontrar películas con representaciones poco creíbles (y hasta aburridas) del subconsciente. "The Cell", al contrario, nos regala una mundo con una fotografía increíble donde la lógica, la gravedad y hasta la continuidad son subjetivas. Es la mente fracturada de un hombre fracturado, donde convive un asesino serial que se ve a si mismo como un dios y como un niño abusado aferrándose a sus últimos vestigios de inocencia. La manera en la que el director nos muestra a Catherine hundíéndose de a poco en este mundo para intentar reconstruír la historia de Stargher a partir de imágenes aparentemente inconexas, bizarras y hasta hermosas resulta muy poco usual. Es atrapante.

La película tiene tambíén subtonos filosóficos interesantes. Stargher no es un villano en blanco y negro; es un hombre a quien tanto la naturaleza como sus propios padres le han fallado y con quien, llega a entender Catherine, la psicología encuentra limitaciones. Novak se encuentra frustrado de similar manera, uniéndose al FBI luego de encontrar que su trabajo como fiscal no siempre garantizaba justicia. También vemos las diferentes maneras en la que los protagonistas recurren a Dios; Stargher entiende que un evento de su infancia lo ha acercado a su creador y termina igualando sufrimiento con su propia salvación. Su padre justifica la crueldad a su propio hijo con religión. Y Catherine, intentando salvar tanto al asesino como al niño millonario, se visualiza repetidamente a sí misma de manera casi virginal.

La fotografía de "The cell" destaca, pero quedarse sólo con ella sería injusto. Es un buen thriller de misterio, una respetable película de ciencia ficción y, sobre eso, un gran drama psicológico. El final nos lleva a un climax que combina de manera sublime tres historias en una única secuencia; y aún con algunos cabos sueltos (y ganas de conocer más a fondo a sus personajes) resulta absorbente y deja mucho que pensar una vez terminada. No hay mayor horror que el que existe en la mente de cada hombre.

Recomendadísima.

On the beach (1959)

Estamos condenados, sabes. Todos nosotros, tontos, borrachos y patéticos. Condenados por el mismo aire que vamos a respirar.

Si "On the beach" resulta hoy una película extraña no puedo imaginar como puede haber sido recibida alla por 1960, en plena guerra fría. Es una adaptación de un conocido libro de Nevil Shute que trata sobre la humanidad aprendiendo, en sus ultimas horas, a aceptar con gracia el fin de todo lo que conocen.

El capitán Dwight Towers (Gregory Peck) emerge en su submarino sobre el final de la tercera guerra mundial. Prácticamente nadie sobrevive; el hemisferio Norte se encuentra cubierto de ceniza radioactiva asique se dirigen a Australia, el ultimo contiente habitable del planeta.

Pero es cuestión de tiempo. El viento arrastra la radioactividad y tarde o temprano (en meses) Australia correrá el mismo destino que el resto del mundo. Allí la vida sigue con relativa normalidad -  la gente trabaja, va a la playa, cría a sus hijos, se emborracha y se enamora, conscientes de que el final se acerca inexorablemente. Dwight conoce a Moira (la eterna Ava Gardner), una mujer soltera, alcohólica y deprimida por el destino que le espera. Dwight disfruta de su companía pero no puede borrar el recuerdo de su familia desaparecida en casa. Cuando llama a Moira, por error, con el nombre de su ex-mujer ella no se molesta; entiende que ser tratada como "esposa" es mejor de lo que ella misma se ha tratado en su vida, cuando aún tenía tiempo para hacerlo.

La película es muy fuerte por este mismo motivo. No vemos la guerra, sólo su resultado. Aún con una subtrama sobre la posibilidad de que el polo Norte siga siendo habitable y un misterioso mensaje en código Morse proveniente de San Diego, la historia se centra en los últimos dias de vida de un grupo de gente esperando un final feliz que murió con la caída de la primer bomba.

"On the beach" es una pelicula en blanco y negro filmada en aspecto 4:3, con tonos dramáticos típicos del cine de la eṕoca y una duración de mas de dos horas. La fotografía es hermosa, tiene fuertes actuaciones (incluso para los '60) y cuenta con un guión de primer nivel que no ha envejecido ni perdido fuerza en medio siglo.

Es triste y sombría. Y absolutamente recomendable.

Byousoku 5 senchimeetoru (5 Centimeters per Second) (2007)

Dirigida por Makoto ShinKai, pelicula de anime (animación japonesa), para mi excelentes gráficos, muy buena.Tiene como subtitulo "una colección de historias sobre la distancia." , si te peleaste con tú novio/a o estas muy susceptible no la mires.Si bien se presenta como na sola película, son tres mini-historias : Extracto de Sakura , Cosmonauta, y 5 Centímetros por Segundo .  En si trata sobre el tiempo, del espacio, de la gente, y del amor. El título 5 centímetros por segundo viene de la velocidad a la cual los pétalos de Sakura caen del árbol, los pétalos son una representación metafórica de los seres humanos, refiriéndose de la lentitud de la vida y de cómo aveces estamos tan cerca de alguien pero lentamente nos vamos alejando y tomamos caminos diferentes. No tiene grandes saltos ni nada, las historias son muy simples pero no se... tienen esa sutileza de dejarte ver en cuanto a todos los sentimientos que se te cruzan por la mente cuando te estas alejando de alguien. También hay muchas frases que tal vez les queden en la cabeza como a mi. Sentí mucha empatía con Cosmonauta. Capaz que que justo me llego porque la verdad que me sentía un poco abandonada esa semana T_T (jajaja). 

La piel que habito (2011)

Es admirable ver la habilidad que tiene Almodóvar para traducir a película las ideas que nacen en su cabeza.
Pero la pregunta que siempre me queda en el tintero es,

¿Qué carajo hay dentro de Almodóvar para engendrar semejantes ideas?

La retorcida historia me recuerda a los dramas orientales, esos que te dejan un sabor amargo que se mantiene intacto en alguna parte de tu memoria y cada vez que viene a tu mente te vuelve ese malestar... nauseabundo.

Antonio Banderas es un cirujano plástico obsesionado con la creación de una piel transgénica más resistente, a raiz de un accidente de autos donde su mujer se quema casi por completo y luego de un tiempo de agonía y recuperación lenta pero positiva fallece repentinamente, dejando sin madre a su pequeña hija que acarriaba transtornos en sus relaciones sociales...

... y con eso arranca la historia, porque la peor parte no es esa, sino lo que comienza a gestarse dentro del  padre (Dr. Ledgard)

¿Por qué recomendarla?
El cine español es, a mi gusto, excelente. Tiene un nivel de realismo que te hace sentir que cualquiera sea la historia, puede ser una historia tuya.
Esto probablemente se deba a la calidad de los actores, en este caso el fuerte aplauso es para, además de Antonio Banderas, la preciosa Elena Anaya en el papel de Vera, Marisa Paredes demostrando lo que es una madre (Marilia), Jan Cornet mostrando la inexperiencia adolescente de Vicente y Roberto Álamo como el típico hijo menor, Zeca, entre demás actores que bien acompañan este gran elenco.
Además de eso... ¿vieron la calidad de imagen que tiene esta película?
Miren el trailer (recomiendo el más corto) y corroboren:

http://www.lapielquehabito.com/clips.php

De ese video podrán notar además que la BSO no es para nada despreciable, sino todo lo contrario: es muy buena, cuadra perfecto con los niveles de tensión de las escenas y con el carácter general de la película.

¿Qué más decir?
Elenco, fotografía, música, dirección y trama son muy buenas razones para no perdérsela. Excepto que tengan un rechazo particular por los dramas, en cuyo caso comprendo y acepto que no siempre lo bueno está hecho para uno... sobre todo si de arte se trata: si no es para vos, no es para vos

Veanla y díganme si no es recomendadísima...