Hansel & Gretel: Cazadores de brujas (2013)

Director: Tommy Wirkola
Writer: Tommy Wirkola
Stars: Jeremy Renner, Gemma Arterton

 Viene otra recomendación. ¿No saben que ver, pero no tienen ganas de que sea algo profundo ni para pensar? Una de las mejores opciones es ésta.
Hansel y Gretel no es una de esas pelis de la camada de cuentos de hadas retocadas, como blanca nieves y el cazador o demás de esa índole, sino todo lo contrario. Es un cuento retocado para que lo disfruten personas grandes con un niño adentro.
Acción, mucha acción. Escenas desopilantes, sangre y peleas sobredimensionadas y bastante humor.
No intenta ser lo que no es. Algo así como Cowboys Vs. Aliens. Sabés lo que vas a ver y cumple con creces las expectativas.
Argumento: La base del cuento queda intacta, dos hermanos, abandonados por sus padres en el bosque, pronto descubren una casa hecha de dulces -¿Quién no sueña con que eso le pase alguna vez?- pero dentro vive una bruja que se los quiere comer... la matan y escapan. Pero, a diferencia del cuento original, no vuelven con sus padres, sino que descubren que son inmunes a los hechizos de las brujas y se convierten en cazadores.
Los altos de las pelis son, por ejemplo, las armas -una picana hecha a bobina manual- o el hecho que Hansel luego de haber sido obligado a comer tantos dulces, sea diabético.
Se van a divertir durante toda la peli, bizarra, no tiene desperdicios. Recuerden, es Hansel y Gretel cazador de brujas, si esperan casa blanca... bueh... no es eso. Enjoy.

Le chat du rabbin (2011)

Un gato que habla.

Sí, incluso en la película es algo inusual, pero tanto los espectadores como los personajes mismos lo aceptan rápidamente porque, por más extraño que sea, el gato es genial, tenga sentido o no que hable, todos terminamos queriendo saber qué dice.
¿Y a qué vino este gato?
Metido en una familia judía, comienza a cuestionar las creencias religiosas y con ello impulsa a los personajes a mostrar sus pensamientos más personales y a envolverlos en una historia MUY bizarra: un grupo muy heterogéneo de hombres se embarcan en un viaje con fines espirituales pero poco claros, que los termina enredando en discusiones existenciales y encontrándose con gente más estrambótica que ellos.

La película es exelente:
La historia es altamente interesante, y además tiene anexada una gran cantidad de cuestiones que la enriquecen más.
La dirección es impecable, tanto en el aspecto estético como en el guión no hay nada que reprochar. El estilo francés explícito (que le da realismo al dibujo) y la banda sonora muy "acorde".
Temas tan serios y profundos, encarados en animación y dentro de una trama disparatada y poco real (no es muy común ver un gato que quiera tener, sea como sea, su Bar Mitzvah) hacen de esta película una pieza única, muy digna de ver y recomendar.

Página Oficial

Mary and Max (2009)

Cuando el alma escribe, lo más puro del ser humano se despliega en su total crudeza, y quien tenga el honor de leerlo necesita abrirse también para comprenderlo, implicando el peligro de exponer las partes más vulnerables del Ser a las inevitables marcas que deja la intensidad del contacto humano.

Mary & Max son los protagonistas de esta animación Stop motion que vienen a mostrarnos una historia real sobre una niña australiana pobre que quiere encontrarle una explicación a las cosas tristes que le va mostrando la vida (burlas en el colegio, una madre cleptómana y alcohólica - por lo tanto ausente en el crecimiento de la hija) y que por curiosidad comienza un contacto por carta con Max, un hombre neoyorkino entrado en años con problemas de obesidad, recluido en su departamento luego de muchos años de intentar fallidamente entender a la gente común.

La historia es una de las primeras bellezas por descubrir en la película. Sencilla, por momentos predecible, pero tan bien contada que da gusto vivirla a la par de nuestros "nuevos amigos".

Los otros aspectos que muy certeramente maneja el director son la expresividad de los personajes, en sus rostros, sus movimientos y sus palabras encontramos el sentimiento preciso. Ésto sumado al excelente contraste de colores (Max está en escala de grises, con un detalle rojo intenso que denota que todavía existe algo fuerte y vivo en su apagada vida, y Mary está en marrón, por la luz intensa de su niñez combinada con su lamentable y triste contexto de vida) se logran unas imágenes que realmente enamoran, en conjunto con una banda de sonido en armonía con todo lo demás.

Muchos conceptos, muchos mensajes, mucha belleza hacen de esta animación una realidad realmente digna de ver.

Les aconsejo que no se pierdan esta bella obra del 7mo arte.

Kari-gurashi no Arietti (2010)

Arrietty y el mundo de los diminutos es otra deslumbrante obra de Studio Ghibli hecha para mantenernos enamorados de la belleza audiovisual que sólo ellos pueden crear.
En esta oportunidad llenan de colores y música la novela fantástica Los incursores de la escritoria británica Mary Norton, que tiene casualmente el ingrediente base de todas las películas de Studio Ghibli: lo pequeñito, lo sutil, lo diminuto.

Arrietty es una niña que forma parte de una familia de buscadores: personitas del tamaño de la palma de la mano, que viven debajo de casas de humanos y buscan por las noches aquellas cosas necesarias (como alimentos, objetos perdidos) que los humanos no notarían que faltan.
La supervivencia de esta especie siempre dependió de esconderse de los humanos, pero Arrietty con su inocencia y curiosidad infantil comienza a hacer contacto con Shō, un niño que llega a la casa enviado por su madre para mantenerlo en paz...

Difícil es poner en palabras una historia tan hermosa y tan repleta de amor, significados, valores, detalles... pero sí les fue posible a Studio Ghibli traducirla a un despliegue fascinante de colores junto a una delicada banda de sonido, logrando una película de animación japonesa imperdible.

Compruébenlo viendo el trailer:

Dead Again (1991)

Director: Kenneth Branagh
Reparto: Kenneth Branagh, Emma Thompson, Andy Garcia, Robin Williams


Antes que nada, creo que Netflix va a ser mi próxima inversión. De lo contrario nunca hubiese visto esta peli. No es que uno lea la sinopsis y diga "¡Tengo que verla!" sino más bien todo lo contrario. Es demasiado fumada, pero no fumada copada sino más bien con un toque de no-se-que en medio de una trama detectivesca. Sin embargo tiene todos los condimentos para ser de mi estilo y por eso la vi sola, y para mi grata sorpresa, es recomendable para los que no comparten mi onda también.

La historia empieza con una mujer que perdió la memoria y el habla y sin saber cómo llega a un hogar de huérfanos, ahí el sacerdote y las monjas contactan a un detective que se crió en el orfanato para que dé con la familia de la desconocida. Al no encontrar datos ni lugar donde alojarla temporalmente, se la lleva a su casa y a pesar de ser unos desconocidos comienza a surgir algo entre ellos.

Hasta ahí tenemos un argumento de lo más corriente, pero la sorpresa viene cuando un excéntrico hipnotista se presenta en la casa del detective y luego de una corta sesión logra que la mujer hable y recuerde algo del pasado... pero no de esta vida, sino de su vida anterior. Si, si, si... ahí empieza la parte drogona y que te atrapa sin más. La mujer comienza a revivir sucesos de 1949 y las escenas se presentan en blanco y negro con el mejor estilo de época dorada de Hollywood, sacando a la luz un viejo y famoso homicidio...
¿Podrá la pareja del presente superar el karma al que están predestinados?

La verdad es que me enganchó muchísimo, las actuaciones son muy buenas, el ritmo de la peli también, y las escenas filmadas en blanco y negro le dan un toque distinto. Es por momentos bizarra, con personajes extraños, como un psiquiatra que ahora es carnicero en un supermercado, el hipnotista que busca antigüedades para su local, etc.

Se las recomiendo.

Stranger than Fiction (2006)

Puede pasar.
Puede pasar que más de una vez piense que mi vida no tiene nada de interesante y por ello ningún escritor la contaría.
Puede pasar también que precisamente por eso haya alguien que la este escribiendo.
Y puede pasar, sí, puede pasar, que yo me entere que soy el aburrido personaje de la historia que está siendo escrita, y, por ese bizarrísimo pequeño detalle, mi vida, y mi cabeza, den un giro 180°.

Lindo mareo post-sacudón se pega el protagonista de Más extraño que la Ficción, que le sucede puntualmente eso.

Harold Crick es un auditor que tiene toda su vida minuciosamente medida, como con la precisión de un reloj (Cepilla sus dientes exactamente 76 veces, cuenta los pasos exactos hacia la parada del colectivo que toma siempre exactamente a la misma hora ...). Hasta que de repente descubre que está siendo narrado cada momento de su vida, por una "voz en off". Tal susto se lleva, él, que no está acostumbrado a las sorpresas, que comienza a averiguar que está sucediendo, y termina replanteándose, entre otras cosas, cuál es el sentido de su vida.

La idea me encantó.
Y reconozco que está muy bien guionada, a pesar de que la película es un poco larga, es muy llevadera. Y eso está potenciado por un reparto muy bien elegido: Will Ferrel tiene una cara tan poco expresiva que no podría representar mejor al monótono auditor, quien gracias a su trabajo conoce a Ana Pascal, una joven panadera extrovertida y liberal, muy bellamente interpretada por Maggie Gyllenhaal. Y para poder meternos en la piel de un escritor, nos deleitamos con la admirable Emma Thompson, corporizando a Karen Eiffel, la narradora de la vida de Harold; más Dustin Hoffman, excelente, representando al profesor-escritor Jules Hilbert.

No quiero comentar mucho más, me parecen razones suficientes para recomendarles que la tengan muy en cuenta cuando quieran ver una película interesante y original, sin que se delire.

Enjoy!

Micmacs (2009)

Jean-Pierre Jeunet es, a mi ignorante criterio, el representante cinematográfico de l’art pour l’art.

¿A qué me refiero? 
No hay intención explícita, no hay mensaje puntual o leitmotif en sus historias, sin embargo están repletas de arte, estética, belleza, bizarría (en su significado más puro), y demás ingredientes batidos y sacudidos para formar la ya 'marca registrada' Jean-Pierre Jeunet.

Es, tal vez, una película más del director, ya que utiliza la misma fórmula que aplica a todos sus films: Esquema de introducción semi-narrada tipo cuadros, personajes pintorescos interpretados por excelentes actores (que ya disfrutamos en otras oportunidades), y estética, trama, guión y demás definiendo el contundente género de la distopía retro-futurista (que podemos apreciar explícitamente en la escenografía, por ejemplo)

Micmacs es una comedia sobre el frío negocio de las armas, enredado con el mundo de un grupo de traperos que poco les interesa el comercio pero mucho disfrutan de la inventiva, la imaginación y la actuación. ¿Producto? Una historia de mafia frustrada de la forma más original y rústica que sólo a Jeunet se le ocurre hacer.

Quien ya conoce la obra de Jean-Pierre (Amélie, Delicatessen, etc), se sentirá a gusto de deleitarse con una pieza más de su estilo, y quien no ha tenido el gusto de descubrirlo, esta es una buena oportunidad para ir aprendiéndolo (toma su tiempo entender su léxico).

Locura francesa que vale la pena :)

voilà!

Pina (2011)

Yo nunca tuve feeling con los documentales en general, pero en mi opinión este es muy digno de destacar.

"Pina" es un homenaje a la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, fundadora de la compañía de danza Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.
El esquema es sencillo: Cada uno de los integrantes de la compañía va contando la impresión personal que dejó Pina en la vida de cada uno, las enseñanzas tanto profesionales como humanas(1), y luego muestran alguna obra de cada alumno, preparada por ella.
Lo que impacta de este video es la calidad artística que tiene (El cine es un arte... el 7mo, de hecho). Está hecho en 3D, rodado en escenarios urbanos y naturales de Wuppertal (ciudad alemana donde se encuentra la academia) con una belleza inmensa, que junto con el impecable vestuario de los bailarines se logran unas imagenes muy coloridas y atrayentes... Eso combinado con unos bailarines de un nivel excepcional y unas obras tan originales como grandiosas, dan como resultado un paradigma de la danza contemporánea.
La expresividad corporal, visual y musical es incuestionable. Y eso, grabado y editado, realmente demuestra una articulación perfecta de todas las artes actuales.

En fin... un gran documental para los curiosos del arte y los enamorados del cuerpo humano...

Balada Tirste de Trompeta (2010)

De Alex de la Iglesia.

La vi por anti-recomendación de mis padres; pasa que mi viejo es bueno contando historias y me enganchó, aunque el relato haya sido para, poniendo de relieve lo bueno, dejar en claro lo cruda, violenta, morbosa y "siniestra" que es la película.

Y si, lo es, pero la verdad me había imaginado algo más gore: pues no. Si es retorcida, perversa, pero alterna de manera magistral con situaciones cómicas, bizarras, y en las partes más truculentas no se ensaña en mostrar los detalles sanguinolentos en primer plano, juega más por el lado de sugerir las ideas, aunque obvio, muestra.

Bueno no se, supongo que aclaro estas cosas porque son las que me interesan a mí, no me gusta ver películas con imágenes horrorosas al estilo El juego del miedo. Y sobra aclarar que esta es de un nivel artístico infinitamente superior, con una historia que te re engancha, muy bien contada, muy buena música, mucho ritmo, mucho laburo visual, y, como ya he dicho anteriormente, si: la violencia seduce.

¿Sobre la historia? El Payaso Triste, que no puede hacer reir a los niños porque no tuvo infancia, debe encontrar la felicidad vengando a su padre, apresado y muerto a manos del ejercito franquista tras ser reclutado forzosamente por las milicias republicanas (escena imperdible de la película); una vez en el circo, el Payaso Alegre, alma del circo, será su némesis: dulce y divertido con los niños, es un violento y perverso que aporrea a su mujer, la despampanante trapecista, juguetona y seductora, cuya ambivalencia mantiene girando los engranajes de la trama.

Si quisiera ser reduccionista podria decir "dos chabones peleándose por una minita" o la ya nada original fórmula "payaso asesino", pero no. Es un despliegue constante, pasan cosas todo el tiempo, es un bombardeo de imágenes, y la temática circense le agrega una exuberancia casi obscena. Y es esa obsenidad de carne cruda, obesidad desnuda, y sexo violento puesta en marcha por la locura es lo que te mantiene expectante, a la vez que balanceando con atenuantes permanentemente hace que lo terrible sea chistoso y verla sea "thrilling" y no angustiante.

Ko To Tamo Peva (1980)

Nombre: Ko To Tamo Peva/ Quién canta ahí
Director: Slobodan Sijan.
Un grupo de personas viaja, el día 5 de abril de 1941, desde algún remoto lugar del interior de Serbia hasta la capital, Belgrado. Suben al colectivo de la compañía Krstić dos gitanos, un veterano de guerra, un simpatizante nazi, un cantante, un tuberculoso y un hombre con una escopeta. Conducen el colectivo el viejo Krstić y su hijo Miško. Y más tarde suben nuevos pasajeros. Tendrán una larga travesía hasta llegar a la capital serbia, en medio de los rumores de guerra.
En sí la película es una comedia que toca muchas cosas que como argentinos nos pueden llegar (en el sentido de que la ruralidad serbia es más bien berreta y poco romántica; la gente hace más bien poco por esconder la hilacha). Para balancear su lado cómico, la película entera en sí es una suerte de alegoría ante la segunda guerra mundial, en particular los deseos de cada uno de los pasajeros. Y sobre todo, el canto de los gitanos.
Es una película famosa, se consigue fácil en internet y tiene subtítulos hechos por argentinos (eso es muy importante: una de las mejores partes de la peli son los insultos, y si los ponen en gallego pierde un poco de gracia). A falta de trailer, y para seguir con mi tradición de contar lo menos posible sobre la trama, les dejo la primer escena de la película, con la traducción de lo que cantan los gitanitos:

El sol está saliendo...

el sábado.
Una voz llega...
desde lejos.
La gente pobre de los alrededores...
espera la salida del sol.
A Belgrado, a Belgrado...
con la Compañía Krstic.
La gente está preparada.
Tienen todas las razones para viajar...
pero suerte no tienen ninguna.
Yo soy un desafortunado.Desde que era niño...
con toda mi pena...
canto canciones.
Ojalá, madre adorada...
que todo esto sólo fuera un sueño

Hollywood Ending (2002)

Si hay alguien que sabe mostrarte la vida como es, es Woody Allen.

Y casi siempre es para decir que las historias que vivimos en la sociedad no son más que escenarios creados con buenas excusas, máscaras para las cuestiones de amor que tímida y fallidamente esconde el corazón.

¡Pero qué buen show que podemos armar los seres humanos! en esta oportunidad nos encontramos con un director de cine que está viviendo la curva de bajada del éxito... en una cuasi total decadencia (interpretado obviamente por Allen), que recibe una última oportunidad en su vida de realzar su fama, si acepta dirigir una película... para la productora del esposo de su ex-mujer.

¿en torno a que cosas gira la película?

Allen es un hombre que en calidad de guiones no da muchas vueltas para decir lo que quiere. Mientras todos los personajes intentan "creerse" que todo es una cuestión profesional, Val (Woody A.) dice y repite lo incoherente que es la situación que está viviendo... y que no sabe manejar.

Y sí, la realidad siempre supera a la ficción y terminan saliendo a escena los fantasmas del backstage. Dilemas de parejas, amistades, confianza, familia, relaciones padre-hijo, etc. comienzan a decorar la historia, hasta terminar tomando el control de la misma. ¿cómo? Con una ceguera repentinamente psicosomatizada que habrá que solucionar... o morir en el intento. :P

¿Por que la recomiendo?

Siempre que lo veo en la pantalla a Woody Allen, pienso "Woody Allen haciendo de Woody Allen...", y termino riendome de su cara, de sus frases... y odiándolo por lo que dice, hace y etc...

O sea, se expone desde su capacidad de dirección hasta su cara de poker, para que lo critiques por todo lo que se te ocurra... y termines muy conforme!

En fin.. no quiero decir mucho más.

Ah, sí, algo más... me encanta el poster. xD

En Cuevana

Brazil (1985)

• Dirección: Terry Gilliam
• Guión: Terry Gilliam / Tom Stoppard / Charles McKaown

Terry Gilliam, desarrolla algo muy similar a 1984, con un toque profundamente sarcástico y que encaja mucho mejor en lo cinematográfico (hay que reconocer que Brazil nace como un guión de cine y no como novela, que es el caso de 1984). Quienes me conocen sabrán que me gusta contar lo menos posible de una película.

Practicidad: En un estado panóptico, totalitario y burocrático, resolver las cosas por el camino simple es terrorismo.

Paradojas: El amor y los sueños, frente a la conveniencia y las promesas. El sueño de ser el caballero alado que libera al amor, cuando se es un miserable burócrata preso de sus propios papeles y su propio trabajo. La ausencia absoluta de ambiciones cuando la única ambición aceptable no tiene nada que ver con tus sueños: la única ambición válida para el corazón.

Preguntas: ¿Existe el reo? ¿El terrorista? ¿Quién es? ¿Soy yo? ¿Podría serlo? ¿Qué traiciono cuando traiciono? ¿Por qué traiciono? ¿Es traición? ¿O soy yo el traicionado?

Podría decir también que sin necesidad de ponerse a leer a Foucault, la película es para reirse un buen rato.

Tokyo! (2008)

Tres historias hechas por tres directores no-japoneses cuya ÚNICA relación es que suceden en Tokio.


Mi primera impresión:
Franceses haciendo cine oriental es como hacer sushi de chorizo.
Así de burdo.


Historia 1: por Michel Gondry (francés)
Arranca linda. Gondry logra partir del factor común que tienen el cine oriental y el frances: el ritmo lento, silencioso y tranquilo.Los personajes de todos modos son de personalidad  marcadamente europea (aunque su apariencia física los acuse de orientales). Él es un director de cine independiente, bizarro y barato. Ella es una chica simpática que no tiene ninguna meta profesional en la vida... y andan recorriendo ciudades con un auto, el equipito de filmación del chico y poca plata.
Tiene lindos diálogos (¡punto a favor de Gondry!) pero con el tiempo la historia se torna muy surrealista... y por no estar en el contexto adecuado se torna 'ni fu ni fa'.


Historia 2: por Leos Carax (francés)
Esta parte me pareció puntualmente PENOSA. La idea parece intentar generar un humor absurdo (superrealismo francés?) con un tipo "loco" que habita en las cloacas de Tokio y sale a "asustar" a la gente.
La verdad, se me hizo insoportable y a duras penas pude terminar de verla...

Historia 3: por Joon-ho Bong (coreano)
Vale todo lo que le faltó a las anteriores. Acá se nota el sello oriental. Muestra la forma de vida de un hombre que es "Hikkikomori" (nombre que se les da a las personas que se aislan completamente de la sociedad). Luego de 10 años de no relacionarse con nadie le suceden ciertos hechos que lo llevan a romper este 'aislamiento natural', empezando por un cruce de miradas con una repartidora de pizzas.
Aquí el concepto está excelentemente logrado. Además de mostrarte la forma de vida de alguien que no sale a la calle ni habla con nadie, descubre los pensamientos e ideas que caracterizan a una persona de este tipo.

En mi opinión, la última historia es lo único que vale la pena ver.

The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009)

Si existe alguien que sabe traducir a imágenes reales la imaginación yo creo que es Terry Gilliam.

Una vez más este excelente director nos revela de una forma maravillosa lo que habita en la mente del ser humano.
Con "El imaginario mundo del Doctor Parnassus" Terry Gilliam invita al espectador a caminar sobre la línea que separa la realidad del individuo proyectada al exterior de la descontrolada imaginación que crece en lo más profundo de su ser.


¿Cómo?
El doctor Parnassus es un viejo inmortal que deambula por el mundo (el "viejo", ya que por la estética parece Europa) con un pequeño teatro rodante, presentando un número pseudo-circense que invita a los transeuntes a atravezar un misterioso espejo para "vivir" el mundo generado por sus propios sueños.
Lo primero que nos muestra la historia es que detrás de cada circo existen personas con dilemas de vida tan reales como los de cualquier otro.
Un padre con un profundo deseo de que su hija nunca deje de ser una niña, un adolescente dominado por el poder del amor profundo que siente hacia su compañera, un hombre eternamente prófugo de su pasado arrastrando una fuerte culpa que intenta vanamente ocultar, y otros personajes con sus propias disyuntivas conforman una historia que se enlaza explícitamente con el espejo pero implícitamente con un eje CLAVE del hombre: las decisiones.


Todo ello le da valor a cada minuto de la película, pero por si esto fuera poco, se refuerza con un elenco sorprendente: Christopher Plummer; Headh Ledger, Johnny Depp, Jude Law, y Colin Farrell ("all in one!"); Andrew Garfield; Verne Troyer; Tom Waits; y la "hermosa desde cualquier ángulo Lily Cole.

Si ya han visto algo de Terry Gilliam saben que tiene una habilidad para manejar los aspectos estéticos y fotográficos abasteciéndose ni más ni menos que con una perfecta combinación de vestuario, escenografía y cámaras; de la cual clara y efectivamente se vuelve a valer.

No digo más.
Pasen y vean ->

The Fountain (2006)

Cabe aclarar que, en mi opinión, que una película sea bolacera y fantasiosa no la hace automáticamente de Ciencia Ficción.

Eso fue lo primero que concluí al ver "La fuente de la vida", la cual estoy considerando de las peorcitas de Aronofsky. (Que nos ha deleitado con Don señores peliculones).

Es más que nada una película impactante a nivel visual. La calidad de fotografía y el estilo en general, cómo aplica la gamma de colores y cómo se destacan los objetos en cada escenario me recordó bastante a las películas de Terry Gilliam.

Además rejuntó muy buenos actores para la fotografía. En particular Rachel Weisz (Izzi) que no hacía más que embellecer la escena cada vez que aparecía, incluso cuando lo que transmitía eran sentimientos tristes.


La trama entreteje tres historias preparadas con la misma esencia pero distinto condimento.

Una se sitúa en la España de Isabel I de Castilla, momento en que la Inquisición tomaba fuerza y ella debía tomar decisiones cruciales como ultimo recurso para salvar a España, por las cuales se vale de la mezcla confusa del poder, la fe y el amor.
La segunda es el presente de un investigador que se esfuerza (por demás) para descubrir la cura contra el cáncer para salvar a su esposa,
y la ultima es en un futuro lejanísimo donde un hombre viaja en una nebulosa donde se encuentra un árbol moribundo que es su única relación.

Las tres giran en torno al poder, la muerte y el amor del ser humano; los límites y la desesperación que ellos generan cuando el destino se nos va de las manos (si es que esta allí).

El dilema es interesante, y esta presentado de una forma atractiva, sin embargo creo que le falta algo para darle sabor al plato completo.



Es linda de ver si se quieren dejar llevar por las imágenes, y además no es larga (1:30hs aprox.) por lo que no llega a cansar.

9 (2009)

• Dirección: Shane Acker
• Guión: Shane Acker (guión del corto original). Ben Gluck y Pamela Pettler (adaptación a largometraje)

Es una producción bastante (atención, se viene una palabra nueva) "burtonesca". Sí: efectivamente Burton anda metido entre los productores. 9 era, originalmente, un corto de Shane Acker que luego fué adaptado a largometraje. No es tan largo: dura poco más de una hora.

Admito que soy fan de las películas de animación computada (o CGI). Me gusta mucho los resultados que se obtienen cuando la imaginación no encuentra impedimento para jugar con luces, con sombras y con neblinas.

En esta, puntualmente, se pueden ver paisajes post-apocalípticos hermosamente detallados, con personajes muy expresivos y atmósferas convincentes en lo visual. La música no es una locura, pero me gustó igual: es bien funcional.

En esta historia, unos seres numerados (1, 2, 3... 9) viven en un mundo en ruinas, aparentemente resultado de alguna guerra. Son mecánicos (o robóticos) diminutos, y viven asechados por "la bestia": un monstruo mecánico que, por algún motivo, los caza. Cada uno de los personajes tiene una personalidad muy bien definida e integran, de alguna forma, una trama que se desarrolla en torno a la confrontación que nace entre tales personalidades.

No es muy infantil: el target parecen ser pibes de 12 años, pero es perfectamente mirable por el mundo "adulto", perdonando las puerilidades del desarrollo de la historia.

Insisto en que es una película visual: muy steampunk. De hecho, el género sería fantasía/sci-fi. Se mira muy fácil.

Rudo y Cursi (2008)

La vida misma está resumida en esta película.
Es ordinaria, berreta, bizarra, bien cualquiera, pero te cagás de la risa, tenés minas, fútbol, joda, timba y demases. Todo lo que en general un hombre puede pedir...

Si te reías con el Chavo del 8 nomás de escucharlos hablar en 'mexicano', mirala:
Pre-trailer

Si te gusta el fútbol, nobleza obliga!
Trailer

Pero además de todo eso, es una película que vale la pena por todo el contenido. "La vida es puro juego", posta, pero sabemos que cuando uno se juega la vida, es capaz de dejar todo por una pasión y a partir de ahí es cuando se va descubriendo lo que se está poniendo realmente en juego. Uno va a la cancha, grita, se altera y se come las uñas en un penal, sin siquiera pensar que entre la pelota y la red se puede definir además de un partido, una amistad, un lazo de hermanos, una familia, un sueño, un trabajo, un futuro... y más.
Y a veces uno es el "boludo" que se puso la camiseta y salió a la cancha a ganar(..se la vida) sin siquiera tener idea de para dónde hay que patear.

Es el primer largometraje de Carlos Cuarón (guionista en 'Y tu mamá también'), y la verdad que es para destacarlo. Desarrolla una buena historia pero narrada con "voz en off", sin necesariamente convertir la peli en un documental.
Además eligió un muy buen reparto. Francella tiene un personaje que le calza perfecto, y el rol de Gael García Bernal haciendo de grandulón que todavía es un nene por lo iluso... le combina con la cara. jejejeje (Es uno de mis actores preferidos!)

Concidero que es una película que no pueden dejar de verla, ideal para tener en cuenta cuando se quiera pasar un muy buen rato y que valga la pena.

Ver online

Sin City (2005)

• Dirección: Frank Miller / Robert Rodriguez / Quentin Tarantino
• Guión: Frank Miller

Salvando las honrosísimas excepciones, cada vez que Hollywood lleva un cómic al cine, digamos, la cagan. No leí el cómic (o novela gráfica) de Frank Miller que le da nombre a esta película, pero si alguna vez se tomaron el tiempo de leer comics seguramente van a encontrar en esta película la sensación de estar leyendo uno.
Claro. Sin City (la película) cuenta con una enorme ventaja: Frank Miller (creador del comic) es guionista y director, junto con Robert Rodriguez y Quentin Tarantino (mi director yanqui favorito, incluso más que FFC).
En toda la película predomina el blanco y negro, con altísimos contrastes y cada tanto una boca roja, un pelo rubio, unos ojos azules. Realmente se tomaron el trabajo de que la película parezca un comic.
El estilo sería el del cine negro: putas, milicos, matones y políticos. Es una película atemporal y surrealista, con mucha violencia y muchas (y muy lindas) minas. Tiene dos villanos destacables: Kevin, con esos anteojos, es terrorífico. El otro es asqueroso: lo patético y nauseabundo de su ser se expresa en su aspecto.

L' Illusionniste (2010)

No es casual que la película, llamándose El Ilusionista, me desilusionó un poco.
Es buena de todos modos (mi desilusión tiene sentido y clara justificación):
La vi porque es del mismo estilo y director que Les triplettes de Belleville (Don Señor de los señores peliculones xD ).
Es animada, con ese estilo de dibujo muy crudamente realista y un carácter grave y pesado, dado entre otras cosas por el ritmo lento y la escasez casi total de diálogos (los personajes principales ni siquiera comparten el mismo idioma así que a penas se hablan), además de estar situada en la Escocia del '50.
El guión es de un antiguo actor y director francés, Jacques Tati, que por diversas razones nunca lo pudo llevar a la pantalla.
Lo que logra Sylvain Chomet es, a traves de su destacada capacidad de dirección, traducir al lenguaje cinematográfico el mensaje que transmite la historia original. El personaje principal es un mago que se encuentra ya viejo, y que al parecer mientras él fue pasando día tras día de su vida sacando al conejo de la galera el mundo siguió girando y él se quedó en un punto estático volviendose cada vez más obsoleto. Sin embargo pareciera que en él sigue todo así. No hace mucho por su vida pero tampoco pretende mucho ni se interesa ni se afecta demasiado por nada que lo rodea, y así llega a la etapa adulta en donde recién aparecen unos que otros cambios en su rumbo pero él sigue dentro de todo como en "la nada misma", la dejadez, que, con efecto del tiempo, va "barriendo" lentamente la "ilusión".

El final de la película no es más que la convergencia de todos los aspectos resumidos a una frase.
Por eso es buena, pero no le pidas más de lo que ya sabés que te va a dar.
Es para tomarse un rico café doble y verla.

Everything Is Illuminated (2005)

Why do you do this?
Maybe sometimes I'm afraid I'll forget.

Me encanta cuando una frase me rebota en la cabeza y genera resonancia por un rato.
Recuerdo que una vez vi la tapa de esta película y me llamó tanto la atención que se quedó en mi cabeza como "pendiente".
Un resumen general de los aspectos standards de las películas antes de dar mi opinión personal y más relevante:
La dirección es excelente. Por momentos da la sensación de que utiliza directamente las herramientas de Guy Ritchie o Tarantino, pero luego te das cuenta de que el objetivo de este director (que no conocía) son radicalmente diferentes a los de los antes mencionados.
La banda de sonido es buenísima, me hizo recordar a Kusturica, pero sin que se arrebate por sobre la película.
El efecto de los anteojos por sobre los ojos de Elijah Wood y todo un contexto contrastante es para aplaudir y para resaltar de la fotografía y estética en general que ha sido muy bien lograda. Y eso sumado a que los actores son buenos, puntualmente Elijah excelente, sobre todo porque no sólo aporta con su palidez y sus hiperojos sino que también tiene una expresividad facial digna de un actor que sabe cómo potenciar sus características innatas.
Es una película muy puntillosamente medida, se mantiene siempre en el límite sin pasarse ni un pelito. La trama es medio bizarra, o mejor dicho, está muy bizarramente contada, los diálogos también, pero sin pudrir ni saturar a nadie, al igual que el ritmo, no te cansa ni te cuelga pero tampoco te requiere atado a la pantalla sin pestanear. Todos los ingredientes en su medida y punto justo.

Pero puntualmente me gustó porque es una película que, tal vez hasta la mitad uno no logra armarse una idea de cuál es el objetivo de Schreiber. Aborda el tema de la secuela de los judíos post guerra, pero no utiliza el recurso (a mi gusto) barato de revolver explícitamente el dolor del espectador con imágenes de condiciones de vida infrahumanas o simil (como películas de alto renombre que prefiero no mencionar) sino que va desenmarañando los sentimientos que guarda cada ser humano detrás de los ojos. Simple. Todos tenemos algo que llevamos con nosotros mismos en el contínuo de nuestras vidas, y el significado y valor de ello se descubre no por hurgar la herida sino (tal vez), retirando lentamente las vendas puestas cuidadosamente para poder sanar.

Hago mi reverencia y aplaudo (total no estoy en el cine :P )

No es un drama, a pesar de que es un tema delicadamente triste,
no es una comedia, a pesar de que tiene muchas escenas muy graciosas,
no es un documental o histórica, porque no ahonda en cuestiones sociales...

No sabría ponerle un género, pero es muy amena y que vale la pena mirar.
(como mínimo vean el Trailer)