Who Am I - Kein System ist sicher (2014)

<< Ningún Sistema es seguro >>

Who am I es un thriller psicológico alemán enmarcado en el extenso mundo de los hackers, escenario donde se pueden encontrar personalidades de todo tipo, intereses de lo más dispares, criterios éticos y morales muy específicos, así como la total falta de ellos, intrincadas relaciones sociales, posturas anarquistas, paranoias... etc.
Esta película tiene un poco de todo, combinado de una forma muy eficaz.

La historia gira al rededor de Benjamin, un hacker introvertido que conoce a un grupo de hackers subversivos unidos por diferentes intereses que ponen en juego las inquietudes existenciales de cada uno, con la necesidad de trabajar en conjunto.
Motivados por diferentes razones llevan a cabo ataques a grandes sistemas informáticos que cobran importancia pública y comienzan a ser investigados por la policía alemana y la Europol.
Aunque no se caracterice por originalidad en la trama, el resultado logrado es excelente. Articula en perfecto equilibrio todos los aspectos de producción cinematográfica: banda de sonido, guión, fotografía impecable (¿casi estilo cyberpunk?). Utiliza diferentes recursos visuales y estéticos muy efectivos. Todo logra un ritmo constante - de tire y afloje en la medida justa- para mantener al espectador pegado a la pantalla, sin agotar, ni aburrir.
Cabe mencionar que ésto se logra también gracias a la calidad actoral completa. Cada personaje, cada personalidad contrastante está cuidadosamente desarrollada por los actores.

Se puede decir que el tema es un cliché, que las ideas, contextos y personajes están un poco exagerados... pero el resultado es el mejor que se puede lograr con todo el material que el director elige utilizar.
Recomendadísima.

Tron: Legacy (2010)

Es una película de Disney, por lo tanto pochoclera a más no poder. Digna de un sábado a la tarde sin nada que hacer y un paquete de bizcochitos.

Tuve justamente esa oportunidad, y disfruté de principio a fin la calidad estética de toda la película. Impecable 3-D. Te seduce, no te deja pestanear. Sobre todo a los fanáticos de videojuegos.
Y Daft Punk muy brillantemente supo darle el sonido adecuado al estilo, logrando así con imagen+sonido el escenario ideal para sentirte realmente dentro del mundo virtual donde se desarrolla la historia.

La trama es interesante, aunque el desarrollo es bastante predecible como suele suceder con todas las tramas de Disney. Sin embargo alcanza para generar la curiosidad de querer saber qué pasa luego, e ir intentando adivinar cómo terminará todo. Además se desarrolla todo dentro de un contexto virtual, donde las leyes son diferentes y lo "normal" se define con parámetros diferentes a los nuestros.

Funciona muy bien para desenchufarte de tu mundo por dos horas, y enchufarte a otra realidad mucho más divertida y emocionante.

El violín (2005)

El violín es una película mexicana que cuenta la historia del viejo Don Plutarco, su hijo Genaro y su nieto Lucio, tres músicos que se ganan la vida por las calles de los pueblitos selváticos de México. A su vez son parte de la resistencia guerrillera campesina que reclama el derecho a la tierra, y que intenta muy dificilmente sobrevivir a la violenta represión del gobierno con las Fuerzas Armadas Nacionales, arrasando los pueblos rurales y torturando en busca de "subversivos".

La película es una joya del neorrealismo. La fotografía en blanco y negro, los escenarios selváticos y los planos a los rostros de los personajes (brillante selección actoral, excelentes caracterizaciones) te hacen vivir la historia como si te la estuviera contando un amigo cercano.
La trama tiene una fuerza dramática muy bien equilibrada con el guión: no se excede (nunca hay llantos o escenas desgarradoras, -exceptuando el prólogo-) pero nunca te suelta: durante la hora y media que dura la película la situación de los personajes se vuelve un dilema tan intrigante y tan humano que querés constantemente saber cómo se va a desenlazar. Y no defrauda.

Es interesante mencionar que si bien se supone que la historia se desarrolla durante la guerra sucia de México ocurrida en los 60' y 70', no se hace referencia histórica explícita, evidenciando una situación que puede pertenecer a cualquier época y casi cualquier contexto socio-político, e incluso (lamentablemente) de la actualidad.

No me gusta spoilear nada, así que simplemente les recomiendo que la vean, porque vale la pena ver cómo los protagonistas se las van ingeniando para resolver las complicaciones que se le van presentando, como luchan para sobrevivir a los malos tiempos, y cómo mantienen viva la esperanza, la unidad y la identidad del pueblo.


El violín es una obra de arte que combina impactantes imágenes, diálogos, sencillez humana, violencia, ingenio, resistencia, realidad y valores morales.

Jin Ling Shi San Chai (Las flores de la guerra)

Las Flores de la Guerra es un drama histórico basado en la novela Las 13 mujeres de Nankin escrita por Geling Yan, sobre un -brutal- hecho real sucedido en la segunda guerra chino-japonesa (1937).

Zhang Yimou (admirable director) muestra que la guerra no es más que un gran escenario para que el ser humano despliegue su miseria, hasta en los actos más mínimos. Cada miembro de la guerra lleva su propia guerra personal, y en esta historia podemos ver cómo cada uno debe inevitablemente enfrentarse a situaciones que ponen en juego la compasión, el honor, el sacrificio, la piedad, la dignidad... y todos sus opuestos.

Yimou pone en evidencia todas las atrocidades con una naturalidad impactante. Las escenas no escatiman sangre, frialdad, realismo hasta el punto de hacerte llorar pero querer seguir viendo para saber hasta qué punto de cruda es la guerra.

Al principio de la película me preguntaba porqué Christian Bale, pero luego noté que la historia era una combinación perfecta de 3 diferentes personalidades: el fanático hasta el extremo soldado japonés, la delicada y sensible mujer oriental y el egoista y racional hombre americano.

"A veces la verdad es lo último que necesitamos oir" dice en un momento una de las prostitutas, y me dejó pensando que el problema de esa frase es que las verdades que construimos los seres humanos son tan terribles -inhumanas- que no las queremos ver, pero precisamente por ello es que vale la pena ver esta película.

"Por más que nos impresione esto es lo que somos" bien me dijo una vez una amiga, y en esta ocasión lo recordé. Somos esta mezcla de barbarie y sensibilidad.

Magic in the Moonlight (2014)

La realidad no es como en las películas,

pero se parece mucho a las de Woody Allen.
Una nueva obra de este excelente director es, para mí, como estar entre amigos. Aunque los escenarios que elige para desarrollar una historia suelen ser bastante rústicos y extravagantes, la esencia de los personajes resulta común y familiar.

En esta oportunidad, la historia se desarrolla en los años 20, en medio de una familia muy adinerada de la Costa Azul de Francia, donde un soberbio mago inglés (Colin Firth) intenta desenmascarar a una falsa 'medium' (Emma Stone) que está estafando a la familia.
En este contexto tenemos elegancia visual garantizada. Vestuario, escenario y música delicadísima.
Y gracias a esa temática nos encontramos con una riqueza de diálogos presentados de una manera sutil y natural. Creo que ésta es de las mayores cualidades de las películas de W.A.: el guión está lleno de conversaciones que nosotros alguna vez tuvimos, con palabras como las nuestras, con ideas con las que más de una vez seguramente nos hemos encontrado.
La arrogancia de Stanley lo lleva constantemente a cuestionar los "poderes ocultos" de Sophie y la creencia en lo desconocido de la familia, apelando siempre a la lógica y a la razón, mientras que ella le va demostrando la importancia, el valor, y el poder que tiene la "necesidad de creer" de los seres humanos.

-¿Quién dice QUÉ es posible? Soy médico y siempre salen a la luz nuevos hechos, se hacen nuevos descubrimientos todo el tiempo. Cosas que nunca soñamos que fueran posibles. Curar a alguien de ceguera... haciéndolo hablar de su niñez en un diván. ¿Quién lo hubiera creído?  

- ¡Pero desafía todo nuestro concepto de realidad!

Magic in the moonlight no te revela ninguna verdad, no te dice nada nuevo, simplemente te sorprende una y otra vez, de escena a escena, representando nuestra propia realidad de una forma maravillosa.
La vida misma.

I Origins (2014)

Cuando vi I Origins me pareció una linda película, sin demasiada trascendencia. Sin embargo a la semana me di cuenta de que todavía seguía pensando en ella, repitiendo mentalmente algunas escenas e imágenes y, lo que es mejor, reflexionando sobre algunas ideas que se plantean durante la historia.

I Origins es un sci-fi drama que cuenta la historia del Doctor Ian Gray (Michael Pitt), un biólogo molecular obsesionado con estudiar la evolución del ojo humano, y dos mujeres que marcarán su vida:
Karen (Brit Marling), su compañera de laboratorio que con su inteligencia y su capacidad estimulará a Ian a profundizar sus teorías y así a afianzar sus ideas,
y Sofi (Astrid Bergès-Frisbey), su total antítesis, que con su gracia, inocencia y belleza llegará a enamorarlo y poner en jaque todas sus creencias.

Dentro del guión muy bien logrado, se encuentran constantemente debates sobre las diferencias ideológicas entre la ciencia y la religión, sobre la existencia y pruebas de Dios, sobre los límites morales de la ciencia, sobre el amor, las prioridades y las decisiones del ser humano.
La historia está muy bien llevada por los actores (todos excelentes) y una escenografía y fotografía muy cuidada y equilibrada con el ritmo de la película.


RECOMENDADÍSIMA.

Piano, solo (2007)

Bellísima.

"Piano, solo" es sencillamente la triste historia de vida del pianista y compositor de jazz italiano Luca Flores.
Dirigida por Riccardo Milani y basada en el libro "Il disco del mondo - Vita breve di Luca Flores, musicista", de Walter Veltroni.

Días y semanas después de verla me encontré en reiteradas ocasiones pensando en Luca, a veces en escenas puntuales y otras simplemente en la imagen que se formó en mí de tan inolvidable persona. Esto es obra y gracia del director, escritor y guionistas (Ivan Cotroneo, Claudio Piersanti.), que supieron presentar cada hecho de la historia del músico que lo fue formando, que lo fue moldeando, que fue definiendo cada nota de su vida que lo llevó a la inevitable cadencia final.

Me gusta decir que el elenco es bellísimo, y no me refiero sólo a belleza estética sino también a esa belleza armónica que puede conformar una persona, cuando transmite lo mismo con la imagen, con las palabras y con los gestos. Luca vivió rodeado de personas de diferentes estilos, que cada actor interpreta a la perfección.
Visualmente es hermosa, filmada en Florencia y otras partes de Italia, y con una fotografía muy elegante y sutilmente lograda, a cargo de Arnaldo Catinari. Sin impresionar, esas imágenes se te graban.

"Piano, solo", además de ser una fiel biografía y un intenso drama existencial, es el significado del jazz, del jazz en el hombre.
"Piano, solo" es la pregunta inconclusa de si el hombre compone jazz, o el jazz compone al hombre.

Imperdible.

A Late Quartet (2012)

No se puede explicar la música,
no se puede comprender al ser humano.
No se puede explicar la relación entre dos personas,
ni se puede comprender la relación entre el hombre y la música.

A Late Quartet muestra con delicada precisión cómo es la vida del músico: cuáles son sus pasiones, sus desafíos, sus miedos.
A Late Quartet muestra cómo es el ser humano: sus miserias, sus amores, su día a día, sus miedos.

¿Pero cómo?
Lo maravilloso de esta película es que presenta diferentes versiones de cada uno:
el músico apasionado que sólo desea dejarse llevar por la música,
el músico perfeccionista que espera que su interpretación sea exactamente como tiene que ser...
El hombre viejo que enfrenta la realidad de estar transitando la última etapa de su vida y una enfermedad neurodegenerativa,
la chica adolescente que va aprendiendo a separar los hilos de su propia historia de la telaraña tejida por sus padres,
la madre que sigue buscando el diálogo que nunca pudo conseguir con su hija...
etcétera.

Cada persona es una historia diferente, fuertemente enlazada por el leit motiv de sus vidas: la Música.

Podría decir muchísimas cosas más de la película, como que la calidad musical está en un nivel que poco se ve en el cine, los actores son excelentes (Christopher Walken, Philip Seymour Hoffman..!), la historia muy real.... pero verdaderamente en este caso, como en la música, vale muchísimo más que cualquier palabra, sentarse a escuchar, ver y disfrutar de esta hermosa (y dramática) película.

Nebraska (2013)

Mientras miraba la película pensaba cómo habría sido realmente: si se eligieron los actores luego de la película, o se escribió la película por la cara de los actores.
Nebraska es una forma cruda, lenta y amarga de presentar la miseria humana, la dejadez a la que podemos llegar como hombres, como hijos, como esposas, como familia. Es la clara imagen de "nada que perder" que los años nos va dibujando en la cara, en nuestra historia.
En este caso, la realidad se presenta a través de Woody, un viejo senil que cree haber ganado un millón de dólares por una publicidad que le llega por correo, y se encapricha con ir hasta Lincoln (Nebraska) aunque tenga que ser caminando, a buscar su premio. David es uno de sus dos hijos que decide llevarlo hasta Lincoln en auto, un poco para que su padre deje de escaparse caminando y que lo devuelva la policía que lo encuentra en el camino, y otro poco para escaparse él mismo de su vida, que se estaba volviendo cada vez más triste.
En todo el camino se van cruzando con muchas personas, y de cada una de ellas se ven diferentes formas en que se transforma la vida a merced del tiempo y del abandono.

Me gustó esta película por varias razones, a saber:
- La cara de los personajes. 
                   Son el fiel reflejo de la idea general de la película.
- La música. 
                   Me pareció EXCELENTE la banda de sonido elegida.
- El guión. 
                   No se habla demasiado, pero cuando se habla, queda muy claro cómo es cada personaje, qué quiere decir, qué significa... y además (en lo personal) me hacía pensar si yo en la misma situación no diría las mismas cosas.

Woody: - "I don't remember. And it doesn't matter."
[...]

Kate: - "You can all just go fuck yourselves!"

- La dirección.
                   La historia es realmente aburrida (¿A quién le importa la vida de un viejo terco y senil?) , pero muy habilmente el director logra desde el principio que el espectador quiera saber cada vez más cómo va a terminar la historia. Funciona, y funciona muy bien...


... y termina muy bien. Realmente la película de principio a fin no te defrauda. Es aburrida y patética como la vida real, sí. De ello se vale para recordarnos que a nosotros, ese mundo miserable que se parece tanto al que vivimos día a día, y que nada nos dice ni nos afecta, nos interesa demasiado más de lo que quisiéramos.

300: Rise of an Empire (2014)

300: Rise of an Empire es una película cuyo fuerte principal es el impacto visual (ergo, es para ver en el cine).
Está basada en la novela gráfica "Xerxes", de Frank Miller, por lo que tiene como objetivo narrar el contexto histórico de la sanguinaria batalla de 300. Objetivo que logra... IMHO, muy justito. Dura aproximadamente una hora y media, y no le falta nada (creo)... pero tampoco le sobra. Un punto a favor es que dada su duración no llega a cansarte. Un punto en contra es que tiene varias cuestiones que podían terminar transformándola en una película densa, a saber:
El ritmo narrativo es confuso. Comienza describiendo cómo se desarrolla el hilo histórico para que el espectador vaya sumergiéndose en la trama, pero deliberadamente se detiene en escenas, diálogos y/o enfrentamientos de forma muy abrupta que más de una vez descoloca al espectador y le hace perder el hilo (BTW, al principio confunde, después de un ratito te acostumbras).
Abusan del slow motion. Queda MUY BIEN para este tipo de imágenes, en donde no se escatiman sangre, violencia y combates bien detallados, pero lo que en los primeros veinte minutos de película te parece una maravilla de detalle y calidad visual, luego se empieza a poner demasiado repetitivo.
Remarco sin embargo nuevamente que en lo que a calidad de imagen concierne, es admirable lo bien logrado que está el juego de luces y colores para expresar lo que corresponde a la escena y sus personajes. Por ejemplo, para resaltar el look sombrío de Artemisia (y que realmente logre llamar la atención por sobre todo el contexto escenográfico lúgubre que tiene) maquillan la piel de ella bien blanca, de forma tal de lograr el contraste y destacarla del resto.

En lo que a reparto respecta, en general está bastante bien seleccionado. Sullivan Stapleton y Eva Green interpretan muy bien su personaje, ya que no necesariamente deben ser héroes o líderes sobrenaturales sino que tienen un carácter tan fuerte y duro como humano, generado por la historia de vida que los fue llevando al lugar que ocupan. La única que no me convenció demasiado fue Lena Headey como Queen Gorgo. Creo que ella es mucho mejor actriz de lo que se puede apreciar acá (lástima).
Otro aspecto que también me gustó es la banda de sonido. No porque tenga "temas excepcionales", sino porque generalmente acompaña muy bien cada escena. Logra el ambiente sonoro ideal para lo que pasa, y lleva el ritmo de la película.

RESUMIENDO, es una gran película para ver (sobre todo si te gustó 300). Cumple. Es buena, es llamativa, es épica, no cansa, impacta y entretiene. Ideal para la pantalla grande.

Intouchables (2011)

Exquisita. Brillante. Increible. Magnífica. Excelente. Única.

Intouchables es una película francesa basada en hechos reales que (aunque usted no lo crea) te divierte de principio a fin. Y es por ello que la considero una joyita para este género.
Tiene lo mejor del cine francés: Un alto grado de realismo en la trama y la dramatización, así como en una selección muy precisa de personajes que distan mucho de ser ideales, y que durante toda la película no hacen más que vivir la situación que (lamentablemente) les toca.
Pero... ¿Qué la hace diferente?
Principalmente los actores. Omar Sy ("Driss" en la historia) tiene una impecable autenticidad para representar la vida simple de un negro inmigrante de los suburbios de París,
y François Cluzet ("Philippe") sólo con la expresión de la cara le acanza y sobra para mostrarte la esencia de un millonario que quedó tetraplégico a raíz de un accidente.
La música, la imagen y la escenografía tienen el nivel y la exquisitez de la alta sociedad (música clásica, una mansión lujosa, la noche parisina y los mejores cuadros del arte moderno), y el guión, los diálogos y las escenas tienen la simplicidad de una vida de bajos recursos.

La historia ES el vínculo que se forma entre estas dos personas diametralmente opuestas, caminos que de casualidad se cruzan cuando Philippe busca un enfermero que lo asista full time, y Driss necesita una constancia de asistencia a entrevistas de trabajo para poder recibir un subsidio del estado.
Desde el comienzo te das cuenta de que tu propia realidad está llena de gente auténtica y espontánea como Driss, y que la vitalidad que irradia te hace disfrutar cada momento en su presencia; y a su vez sabes que el mundo está lleno también de gente como Philippe (¿acaso vos?), con gran claridad para comprender la vida pero que el tiempo fue aquietándolo y silenciándolo un poco...

Por todo ello sobran razones para que disfrutes la película de principio a fin, y que, de hecho, no quieras que se termine.

Closer (2004)

Algunas cosas de la vida son tan simples como una película americana, y es por ello que Closer es una buena opción cinematográfica para no dejar pasar. Una complicada encrucijada amorosa, es una situación típica para cualquier mortal que da lugar a sus deseos, y la seguidilla de decisiones, mentiras, verdades, vacilaciones, lágrimas, silencios y pasos adelante conforman el pack básico de ser humano, lo que nos distingue de los animales.

- Why is the sex so important?
- Because I'm a fucking caveman!

Closer es el campo de juego para Dan y Alice vs. Anna y Larry, donde no siempre hay fair play o se respetan las reglas, donde a veces los jugadores no piensan en el equipo y arman jugadas para beneficio personal.
O sea:
Dan conoce a Anna justo en el momento en que su relación con Alice comienza a perder razón de ser, y un poco forzadamente quiere transformarla a ella en el desafío, en el dilema de su presente que lo impulse a vivir más intensamente. Pero por mala suerte para él, Anna es una mujer que enfrenta la vida con un poco más de "tranquilidad" y claridad, e intenta abrirse de semejante puerta a problemas.
PERO
Dan no se da por vencido, y en un acto irracional trae accidentalmente a Larry a escena. Y, como es sabido, los errores tarde o temprano se pagan. Larry, que intenta mantenerse al margen del conflicto, va descubriendo los hilos de esta enmarañada historia, que lo terminan tironeando muy tensamente desde las otras tres puntas.

Este es el juego que muy bien recrean estos cuatro megareconocidos rostros bonitos de la pantalla grande. Confieso que Julia Roberts nunca me gustó en ningún aspecto, sin embargo en este caso me dejó más que conforme con su papel y su calidad de interpretación.

La historia ocurre en Londres, detalle que le da un marco más opaco (y por ende, natural) al brillo hollywoodense. La música es muy buena, realmente acorde a la película; y por último, los diálogos y las escenas están muy bien elegidas.
No hay que verla pretendiendo ver la crudeza y el realismo extremo de W. Allen, pero ciertamente me parece que las ideas que presenta son bien reales, no están ni infladas, ni exageradas, ni muy maquilladas.

Veanla, acuerden o cuestionen, critiquen o manifiesten empatía con los personajes, disfrutenla.

Mary and Max (2009)

Cuando el alma escribe, lo más puro del ser humano se despliega en su total crudeza, y quien tenga el honor de leerlo necesita abrirse también para comprenderlo, implicando el peligro de exponer las partes más vulnerables del Ser a las inevitables marcas que deja la intensidad del contacto humano.

Mary & Max son los protagonistas de esta animación Stop motion que vienen a mostrarnos una historia real sobre una niña australiana pobre que quiere encontrarle una explicación a las cosas tristes que le va mostrando la vida (burlas en el colegio, una madre cleptómana y alcohólica - por lo tanto ausente en el crecimiento de la hija) y que por curiosidad comienza un contacto por carta con Max, un hombre neoyorkino entrado en años con problemas de obesidad, recluido en su departamento luego de muchos años de intentar fallidamente entender a la gente común.

La historia es una de las primeras bellezas por descubrir en la película. Sencilla, por momentos predecible, pero tan bien contada que da gusto vivirla a la par de nuestros "nuevos amigos".

Los otros aspectos que muy certeramente maneja el director son la expresividad de los personajes, en sus rostros, sus movimientos y sus palabras encontramos el sentimiento preciso. Ésto sumado al excelente contraste de colores (Max está en escala de grises, con un detalle rojo intenso que denota que todavía existe algo fuerte y vivo en su apagada vida, y Mary está en marrón, por la luz intensa de su niñez combinada con su lamentable y triste contexto de vida) se logran unas imágenes que realmente enamoran, en conjunto con una banda de sonido en armonía con todo lo demás.

Muchos conceptos, muchos mensajes, mucha belleza hacen de esta animación una realidad realmente digna de ver.

Les aconsejo que no se pierdan esta bella obra del 7mo arte.

Kari-gurashi no Arietti (2010)

Arrietty y el mundo de los diminutos es otra deslumbrante obra de Studio Ghibli hecha para mantenernos enamorados de la belleza audiovisual que sólo ellos pueden crear.
En esta oportunidad llenan de colores y música la novela fantástica Los incursores de la escritoria británica Mary Norton, que tiene casualmente el ingrediente base de todas las películas de Studio Ghibli: lo pequeñito, lo sutil, lo diminuto.

Arrietty es una niña que forma parte de una familia de buscadores: personitas del tamaño de la palma de la mano, que viven debajo de casas de humanos y buscan por las noches aquellas cosas necesarias (como alimentos, objetos perdidos) que los humanos no notarían que faltan.
La supervivencia de esta especie siempre dependió de esconderse de los humanos, pero Arrietty con su inocencia y curiosidad infantil comienza a hacer contacto con Shō, un niño que llega a la casa enviado por su madre para mantenerlo en paz...

Difícil es poner en palabras una historia tan hermosa y tan repleta de amor, significados, valores, detalles... pero sí les fue posible a Studio Ghibli traducirla a un despliegue fascinante de colores junto a una delicada banda de sonido, logrando una película de animación japonesa imperdible.

Compruébenlo viendo el trailer:

Lluvia (2008)

Cuando nos atrapa la lluvia podemos empezar a sentir un poco la nada, creernos atrapados en un vacío sin sabor, o aún peor, con olor a monotonía.
Eso le pasa a Alma y nos pasa a nosotros, cuando al principio de la película (de la historia) la vemos varada en un embotellamiento en Buenos Aires causado por una intensa lluvia que no presenta indicios de terminar.

El agua tiene esa habilidad de desnudar, de dejarnos totalmente indefensos mientras va evidenciando nuestra forma más real... y esta idea la capta y la plasma en la historia nuestra directora Paula Hernández para mostrarnos, y mostrarle a ella misma, el desgano en el que vive Alma.



Y aquí hago una pausa para mencionar la calidad actoral que tiene Valeria Bertuccelli para representar esta personalidad que está tan llena de significado (que en una mala actuación aparentaría no ser nada).





Pero el agua sigue cayendo, y encontramos (junto con Alma) que hay más almas atrapadas en la misma lluvia, expuestas y dispuestas a tocarse unas con otras... conocerse... reconocerse...

LLUVIA es el título de la película y lluvia es también su significado; y vale la pena "empaparse" un poco para descubrir que la lluvia no es sólo agua, así como las personas no son sólo cuerpo, que adentro de cada uno hay un pasado y un presente, y que el encuentro entre dos indefensos es empaparse...

Conozcan a Alma, conozcan a Roberto (Ernesto Alterio, otro gran actor) y disfruten de la lluvia.

Las Acacias (2011)

Para los enamorados del cine argentino, Las Acacias es una razón más para mantener ese amor vivo.
¿Por qué?
Es como destapar un frasco de esencia de rosas e instantáneamente captar con un sólo sentido todo el significado de la flor...
¿Muy hippie?
No es la idea. Pero sí el concepto de simplificar el mensaje, de captar el trasfondo y despejar todo para que se vea sólo eso.
¿Y cuál es ese mensaje?
Para verlo bien, dispongan de 82 minutos de su tiempo libre, y se van a encontrar con 1500 kilómetros de ruta que une no sólo a Asunción del Paraguay con Buenos Aires, sino también a Jacinta con Rubén, junto con la pequeña Anahí.
Estos tres personajes representan lo que Giorgelli (creo) quiso decir que corre por las venas (las rutas) argentinas:

el hombre adulto, esa cara cansada y llena de dureza y de silencio,
lo blandito del cuerpo de un bebé, la ternura,
... y la elasticidad de la sonrisa de una mujer que es madre.

Lo que pasa cuando estas tres esencias se juntan en argentina, lo van a ver claramente en la película.

Y prepárense el mate antes de darle Play. :D

Hoa-cha (2012)

¿TAN insoportable puede llegar a ser aceptar nuestra identidad?

Eso pensaba mientras terminaba de ver este dramático thriller oriental basado en la novela "All she was worth", de Miyuki Miyabe, que quiero recomendarles.

Helpless es la historia de un hombre (Jang Mun-ho) en busca de su novia que desaparece días antes del casamiento. Descubre que conocía poco y nada del pasado de ella, y la búsqueda de alguna referencia hacia ella comienza a tramar un misterioso acertijo al rededor de una muerte y muchas mentiras.
Jang sospecha que el nombre que le dijo no es de ella realmente, y al investigar confirma que "robó" la identidad de otra joven. De todos modos sigue firme en su deseo de encontrarla, porque en cada paso que avanza en este laberinto de identidades falsas se convence más de que es a ella en su esencia a quien realmente ama, y quiere ayudarla a volver a su propio yo y dejar de escaparse...

Como siempre, el cine oriental viene más cargado de lo que aparenta, y esta historia no es la excepción ya que ahonda en las crisis más profundas de identidad, de amor, de amistad, y probablemente otras que se me escapan ahora del tintero.
Lo bueno es que, además de tener un gran nivel de filmación/dirección y unos actores de la puta madre, es una película que se puede digerir. ¿A que me refiero? A que no te deja esa turbación que tienden a generar las películas de aquel lado del mundo, sino que tiene un ritmo y una densidad más normal, de forma tal que te atrapa sin aburrirte, pero a su vez sin la necesidad de impresionarte por demás.

La verdad es que me gustó mucho. Al principio me pareció que la historia no iba a ser muy interesante, pero de a poco se vuelve tan enigmática que de la mitad en adelante te desesperás por saber todo.

Me parece que es una muy buena opción para casi cualquier momento que tengan ganas de ver una buena película, sin volarse demasiado.

Ah... como agregado: obtuvo muchos premios y nominaciones, de excelencia.

TRAILER

Click aqui para ver la película completa con subtítulos en castellano.

Stranger than Fiction (2006)

Puede pasar.
Puede pasar que más de una vez piense que mi vida no tiene nada de interesante y por ello ningún escritor la contaría.
Puede pasar también que precisamente por eso haya alguien que la este escribiendo.
Y puede pasar, sí, puede pasar, que yo me entere que soy el aburrido personaje de la historia que está siendo escrita, y, por ese bizarrísimo pequeño detalle, mi vida, y mi cabeza, den un giro 180°.

Lindo mareo post-sacudón se pega el protagonista de Más extraño que la Ficción, que le sucede puntualmente eso.

Harold Crick es un auditor que tiene toda su vida minuciosamente medida, como con la precisión de un reloj (Cepilla sus dientes exactamente 76 veces, cuenta los pasos exactos hacia la parada del colectivo que toma siempre exactamente a la misma hora ...). Hasta que de repente descubre que está siendo narrado cada momento de su vida, por una "voz en off". Tal susto se lleva, él, que no está acostumbrado a las sorpresas, que comienza a averiguar que está sucediendo, y termina replanteándose, entre otras cosas, cuál es el sentido de su vida.

La idea me encantó.
Y reconozco que está muy bien guionada, a pesar de que la película es un poco larga, es muy llevadera. Y eso está potenciado por un reparto muy bien elegido: Will Ferrel tiene una cara tan poco expresiva que no podría representar mejor al monótono auditor, quien gracias a su trabajo conoce a Ana Pascal, una joven panadera extrovertida y liberal, muy bellamente interpretada por Maggie Gyllenhaal. Y para poder meternos en la piel de un escritor, nos deleitamos con la admirable Emma Thompson, corporizando a Karen Eiffel, la narradora de la vida de Harold; más Dustin Hoffman, excelente, representando al profesor-escritor Jules Hilbert.

No quiero comentar mucho más, me parecen razones suficientes para recomendarles que la tengan muy en cuenta cuando quieran ver una película interesante y original, sin que se delire.

Enjoy!

La educación prohibida (2012)

Partiendo de la base de que lo que me hace pensar me gusta, recomiendo ver este documental a todo aquel que tenga la posibilidad.
Ante todo me sorprendió gratamente el hecho de que no sea (al menos para mí) tan tendenciosa como lo sugiere el título.
Yo imaginaba encontrarme con un ataque sin ton ni son al sistema educativo, fundamentado con los argumentos baratos y más que trillados, típicos, que más de uno de nosotros ha discutido en alguna sobremesa con amigos:
"limita al ser humano",
"es dictatorial",
"no enseña",
"no tiene contenido relevante a la situación de la sociedad actual",
 etc...
PERO, si bien todas estas ideas aparecen 'así como así', también, y mayormente, se focaliza en presentar muchas de las corrientes alternativas actuales.
Dentro de las cosas positivas que contiene es valorable destactar la claridad del discurso tanto del narrador como de los entrevistados, de la mano con una estructura de ideas muy organizada y una presentación audiovisual excelente, creativa y didáctica (¡menos mal!), el mensaje queda más que claro y hasta suena convincente (¿dejamos las opiniones personales al margen?).
CRITICAR, analizar, cuestionar, indagar, meterse dentro del sistema para buscar las fallas me parece necesario. Pero nunca debemos olvidar que es un paso para ir avanzando. Luego de eso queda todo un camino por recorrer. El otro paso es buscar alternativas, cosa que por suerte este documental nos ofrece y no con escueta información.
NO es de mi interés opinar en profundidad sobre las cuestiones que presenta, porque prefiero que cada uno vea la peli y construya sus conclusiones.
SÍ quiero dejar en claro que es demasiado idealista decir que con Amor todo va a salir bien...
PERO también quiero dejar en claro de que soy más partidaria de que para progresar es efectivo plantear objetivos que apunten a cambios radicales ya que provocan movimiento.
En todo proceso de crecimiento (sobre todo pongo por ejemplo el del individuo), se pasa por la etapa de reacción (suele asociarse a la adolescencia), así como luego un proceso más crítico en el que se pulen todas las cosas dichas, vividas, exageradas o ignoradas, con el objetivo de conciliar certezas y construir pilares más seguros.
Considero que le faltó analizar lo bueno del sistema actual, pero siendo que dura 2hs y media, agregarle más cosas (que no son parte del objetivo central) hubiese saturado bastante. Sin embargo no defiendo el hecho de que termina siendo bastante agresivo hacia los docentes de hoy, cosa que casualmente contradice lo que intenta fomentar: amor, respeto, fraternidad... No creo que deban ser valores exclusivos para los educandos.
FALTAN muchos aspectos a tener en cuenta cuando hablamos de un tema tan transversal para la sociedad.
SIN EMBARGO los aspectos que encara, los argumenta bien y claramente.
Por todo ello RECOMIENDO ver este documental, estar (siempre) abiertos a la crítica y la novedad, y a su vez, construir la opinión personal y predisponerse al debate.


¡Bienvenidos los comentarios de quienes lo vean!

Micmacs (2009)

Jean-Pierre Jeunet es, a mi ignorante criterio, el representante cinematográfico de l’art pour l’art.

¿A qué me refiero? 
No hay intención explícita, no hay mensaje puntual o leitmotif en sus historias, sin embargo están repletas de arte, estética, belleza, bizarría (en su significado más puro), y demás ingredientes batidos y sacudidos para formar la ya 'marca registrada' Jean-Pierre Jeunet.

Es, tal vez, una película más del director, ya que utiliza la misma fórmula que aplica a todos sus films: Esquema de introducción semi-narrada tipo cuadros, personajes pintorescos interpretados por excelentes actores (que ya disfrutamos en otras oportunidades), y estética, trama, guión y demás definiendo el contundente género de la distopía retro-futurista (que podemos apreciar explícitamente en la escenografía, por ejemplo)

Micmacs es una comedia sobre el frío negocio de las armas, enredado con el mundo de un grupo de traperos que poco les interesa el comercio pero mucho disfrutan de la inventiva, la imaginación y la actuación. ¿Producto? Una historia de mafia frustrada de la forma más original y rústica que sólo a Jeunet se le ocurre hacer.

Quien ya conoce la obra de Jean-Pierre (Amélie, Delicatessen, etc), se sentirá a gusto de deleitarse con una pieza más de su estilo, y quien no ha tenido el gusto de descubrirlo, esta es una buena oportunidad para ir aprendiéndolo (toma su tiempo entender su léxico).

Locura francesa que vale la pena :)

voilà!