Le chat du rabbin (2011)

Un gato que habla.

Sí, incluso en la película es algo inusual, pero tanto los espectadores como los personajes mismos lo aceptan rápidamente porque, por más extraño que sea, el gato es genial, tenga sentido o no que hable, todos terminamos queriendo saber qué dice.
¿Y a qué vino este gato?
Metido en una familia judía, comienza a cuestionar las creencias religiosas y con ello impulsa a los personajes a mostrar sus pensamientos más personales y a envolverlos en una historia MUY bizarra: un grupo muy heterogéneo de hombres se embarcan en un viaje con fines espirituales pero poco claros, que los termina enredando en discusiones existenciales y encontrándose con gente más estrambótica que ellos.

La película es exelente:
La historia es altamente interesante, y además tiene anexada una gran cantidad de cuestiones que la enriquecen más.
La dirección es impecable, tanto en el aspecto estético como en el guión no hay nada que reprochar. El estilo francés explícito (que le da realismo al dibujo) y la banda sonora muy "acorde".
Temas tan serios y profundos, encarados en animación y dentro de una trama disparatada y poco real (no es muy común ver un gato que quiera tener, sea como sea, su Bar Mitzvah) hacen de esta película una pieza única, muy digna de ver y recomendar.

Página Oficial

Mary and Max (2009)

Cuando el alma escribe, lo más puro del ser humano se despliega en su total crudeza, y quien tenga el honor de leerlo necesita abrirse también para comprenderlo, implicando el peligro de exponer las partes más vulnerables del Ser a las inevitables marcas que deja la intensidad del contacto humano.

Mary & Max son los protagonistas de esta animación Stop motion que vienen a mostrarnos una historia real sobre una niña australiana pobre que quiere encontrarle una explicación a las cosas tristes que le va mostrando la vida (burlas en el colegio, una madre cleptómana y alcohólica - por lo tanto ausente en el crecimiento de la hija) y que por curiosidad comienza un contacto por carta con Max, un hombre neoyorkino entrado en años con problemas de obesidad, recluido en su departamento luego de muchos años de intentar fallidamente entender a la gente común.

La historia es una de las primeras bellezas por descubrir en la película. Sencilla, por momentos predecible, pero tan bien contada que da gusto vivirla a la par de nuestros "nuevos amigos".

Los otros aspectos que muy certeramente maneja el director son la expresividad de los personajes, en sus rostros, sus movimientos y sus palabras encontramos el sentimiento preciso. Ésto sumado al excelente contraste de colores (Max está en escala de grises, con un detalle rojo intenso que denota que todavía existe algo fuerte y vivo en su apagada vida, y Mary está en marrón, por la luz intensa de su niñez combinada con su lamentable y triste contexto de vida) se logran unas imágenes que realmente enamoran, en conjunto con una banda de sonido en armonía con todo lo demás.

Muchos conceptos, muchos mensajes, mucha belleza hacen de esta animación una realidad realmente digna de ver.

Les aconsejo que no se pierdan esta bella obra del 7mo arte.

Más que Azul (2009)

Director : Won Tae Yeon
Elenco : Lee Beom Su, Kwon Sang Woo, Lee Bo Yeong
Año: 2009

También es conocida por el titulo  "Más triste que la tristeza".
Ambos protagonistas son huérfanos y viven juntos desde la secundario ya que cada uno es para el otro lo único que tienen.
Desde el primer momento K (asi es como le dice ella cariñosamente) quedo enamorado de Cream (ella). Cada uno tiene otras relaciones pero nada serio.
Luego de más grande se separan por que él debe hacer el servicio militar por dos años (en Corea del Sur es obligatorio para los hombres de 18 a 30 años), cuando vuelve él decide declararse pero se entera que tiene cáncer y que va a morir. Y desde ese momento todo lo que desea es encontrar a alguien para Cream, alguien con quien casarse, ya que a lo que  más teme ella es a quedarse sola.
Entonces en la primera parte vemos todo desde la perspectiva de él y como logra su cometido aunque él realmente la quiere. En la segunda parte pasamos a ver todo desde la perspectiva de ella, que en realidad sabia todo, sabia que él tenia cáncer, que iba  a morir y que le estaba buscando a alguien para que no se quede sola. Entonces aquí entra el tercer protagonista, un doctor que esta enamorado de Cream y se casara con ella.
Muy triste la verdad, y un final psicópata xD pero típico de asiáticos. La palabra Azul tiene al igual que en Inglishhh otro significado para los asiáticos, algo así como tristeza (pero no tristeza exactamente), porque no es la primera ve que la veo usada como un juego de palabras. Cream es muyyy hermosa y él es muy tiernoooo y gran actor de novelas. Me da pena el doctor que termina como marioneta de ambos (y es muy guapoooo :P). No se porque son tan reservados estos chinosss locos, aun cuando alguien se esta muriendo.

Kari-gurashi no Arietti (2010)

Arrietty y el mundo de los diminutos es otra deslumbrante obra de Studio Ghibli hecha para mantenernos enamorados de la belleza audiovisual que sólo ellos pueden crear.
En esta oportunidad llenan de colores y música la novela fantástica Los incursores de la escritoria británica Mary Norton, que tiene casualmente el ingrediente base de todas las películas de Studio Ghibli: lo pequeñito, lo sutil, lo diminuto.

Arrietty es una niña que forma parte de una familia de buscadores: personitas del tamaño de la palma de la mano, que viven debajo de casas de humanos y buscan por las noches aquellas cosas necesarias (como alimentos, objetos perdidos) que los humanos no notarían que faltan.
La supervivencia de esta especie siempre dependió de esconderse de los humanos, pero Arrietty con su inocencia y curiosidad infantil comienza a hacer contacto con Shō, un niño que llega a la casa enviado por su madre para mantenerlo en paz...

Difícil es poner en palabras una historia tan hermosa y tan repleta de amor, significados, valores, detalles... pero sí les fue posible a Studio Ghibli traducirla a un despliegue fascinante de colores junto a una delicada banda de sonido, logrando una película de animación japonesa imperdible.

Compruébenlo viendo el trailer:

Dead Again (1991)

Director: Kenneth Branagh
Reparto: Kenneth Branagh, Emma Thompson, Andy Garcia, Robin Williams


Antes que nada, creo que Netflix va a ser mi próxima inversión. De lo contrario nunca hubiese visto esta peli. No es que uno lea la sinopsis y diga "¡Tengo que verla!" sino más bien todo lo contrario. Es demasiado fumada, pero no fumada copada sino más bien con un toque de no-se-que en medio de una trama detectivesca. Sin embargo tiene todos los condimentos para ser de mi estilo y por eso la vi sola, y para mi grata sorpresa, es recomendable para los que no comparten mi onda también.

La historia empieza con una mujer que perdió la memoria y el habla y sin saber cómo llega a un hogar de huérfanos, ahí el sacerdote y las monjas contactan a un detective que se crió en el orfanato para que dé con la familia de la desconocida. Al no encontrar datos ni lugar donde alojarla temporalmente, se la lleva a su casa y a pesar de ser unos desconocidos comienza a surgir algo entre ellos.

Hasta ahí tenemos un argumento de lo más corriente, pero la sorpresa viene cuando un excéntrico hipnotista se presenta en la casa del detective y luego de una corta sesión logra que la mujer hable y recuerde algo del pasado... pero no de esta vida, sino de su vida anterior. Si, si, si... ahí empieza la parte drogona y que te atrapa sin más. La mujer comienza a revivir sucesos de 1949 y las escenas se presentan en blanco y negro con el mejor estilo de época dorada de Hollywood, sacando a la luz un viejo y famoso homicidio...
¿Podrá la pareja del presente superar el karma al que están predestinados?

La verdad es que me enganchó muchísimo, las actuaciones son muy buenas, el ritmo de la peli también, y las escenas filmadas en blanco y negro le dan un toque distinto. Es por momentos bizarra, con personajes extraños, como un psiquiatra que ahora es carnicero en un supermercado, el hipnotista que busca antigüedades para su local, etc.

Se las recomiendo.

Dredd (2012)

Por si olvidaron, este edificio opera bajo las mismas reglas que el resto de la ciudad. Ma-Ma no es la ley... yo soy la ley.

"Dredd", leía hoy, fue un fracaso en la pantalla grande. En retrospectiva es entendible - es una producción menor, basada en un comic, con un trailer olvidable y cuya última adaptación fue poco menos que desastrosa.

Las ventas recientes en DVD y Bluray confirman que es un error juzgar a un libro por su tapa. "Dredd" es entretenidísima y una de las sorpresas más grandes que me haya dado el cine en los últimos años. Me hubiese encantado verla en cine.

"Dredd" cuenta la historia de un Juez (Karl Urban) - una mezcla de polícia, juez y ejecutor encargado de mantener la paz para los 800 millones de habitantes de Mega-Ciudad Uno. Encargado de evaluar a una joven aprendiz (Olivia Thirlby) con poderes psíquicos se ve encerrado en un enorme edificio de un kilómetro de alto controlado por Ma-Ma (Lena Headey), una psicópata que fabrica la droga sensacion del futuro: una susbstancia que hace sentir al tiempo transcurrir a un décimo de su velocidad normal.
  

Si, es un argumento trillado (casi idéntico al de otra gran película de acción de este año...) y básico, pero la ejecución es lo que separa a "Dredd" de otras películas de acción futuristas. La dirección de Pete Travis nos regala una atmósfera al nivel de "Robocop", incluso más violencia, una banda sonora (a cargo de Paul Leonard-Morgan) pulsante que recuerda a Daft Punk y un guión  sorprendentemente bien desarrollado. La película no cae en ningún momento en clichés e incluso el uso de Slo-Mo (la droga) se encuentra incorporado de manera inteligente. Hasta las actuaciones se encuentran sobre el promedio, aún cuando algunos actores (Urban) tengan que actuar con su quijada por no quitarse su casco en ningún momento de la película.

Mucha de la tensión y el entretenimiento esta dado por el ambiente opresivo y la reacción de los Jueces a situaciones que aparecen, una tras otra, sin salida o solución posible. "Dredd" es maliciosa, sangrienta y masoquísticamente violenta. Pero al mismo tiempo tiene un ritmo imposible de resistir, una producción impecable y es una de las películas de acción más entretenidas del último año, dejando en ridículo a megaproducciones como "El caballero oscuro". Es bueno encontrarse con sorpresas así de vez en cuando.

Thank you for smoking (2005)

Lo hago para pagar la hipoteca.
(Defensa de Nuremberg, versión yuppie)

Es claro que deberíamos odiar a Nick Naylor (Aaron Eckhart), pero resulta imposible desde el segundo que aparece en pantalla. Es una persona inteligente, entretenida, gran companía y de carisma irresistible. Un trabajador nato, exitoso, que ama a su hijo. "¿Viste esa persona que puede levantarse a cualquier mujer?" nos cuenta. "Ese soy yo. En anfetaminas".

Lo dicho, Nick es agradable. También es, incidentalmente, vocero y lobbista de la industria tabacalera. Y es excelente en su trabajo; sus acciones pueden espantarte, pero su entusiasmo es contagioso. No importa si se trata de una escuela primaria, una audiencia de primetime, el mismísimo Senado o un modelo de Marlboro enfermo de cáncer terminal. Nick tiene, indefectiblemente, una respuesta para todos.

La película plantea contrapuntos sorprendentemente balanceados sobre el cigarrillo, pero supera esa temática y apunta sus cañones al lobbismo en general - políticos habladores, reporteros inescrupulosos, Hollywood, conductores de televisión y hasta fundamentalistas que terminan vendiendo su valores por dinero. La metralla golpea a todos, incluyendo a las masas que creen todo lo que se les vende. Y aún así es, en el fondo, la historia de un hombre intentando reconciliarse con lo que hace, los que lo rodean y, en particular, su hijo de doce años (Cameron Bright), a quien Nick, orgulloso y espantado en partes iguales, encuentra que se comporta día a día más como él. Las escenas del padre explicándole a su hijo en que consiste su trabajo son deliciosas. "Si argumentas correctamente, nunca estarás equivocado".

"Thank you for smoking" es una sátira inteligente, elegante y sumamente graciosa, del tipo que desgraciadamente ya no se ven muy seguido. Es el debút directorial de Jason Reitman, basada en una novela de Christopher Buckley. Y no solo cuenta con actores brillantes del calibre de Robert Duvall, William Macy, Maria Bello, Rob Lowe o Sam Elliot, sino con un guión y un ritmo impecables. Son 90 minutos que se te van a pasar volando. Recomendadísima.

Lluvia (2008)

Cuando nos atrapa la lluvia podemos empezar a sentir un poco la nada, creernos atrapados en un vacío sin sabor, o aún peor, con olor a monotonía.
Eso le pasa a Alma y nos pasa a nosotros, cuando al principio de la película (de la historia) la vemos varada en un embotellamiento en Buenos Aires causado por una intensa lluvia que no presenta indicios de terminar.

El agua tiene esa habilidad de desnudar, de dejarnos totalmente indefensos mientras va evidenciando nuestra forma más real... y esta idea la capta y la plasma en la historia nuestra directora Paula Hernández para mostrarnos, y mostrarle a ella misma, el desgano en el que vive Alma.



Y aquí hago una pausa para mencionar la calidad actoral que tiene Valeria Bertuccelli para representar esta personalidad que está tan llena de significado (que en una mala actuación aparentaría no ser nada).





Pero el agua sigue cayendo, y encontramos (junto con Alma) que hay más almas atrapadas en la misma lluvia, expuestas y dispuestas a tocarse unas con otras... conocerse... reconocerse...

LLUVIA es el título de la película y lluvia es también su significado; y vale la pena "empaparse" un poco para descubrir que la lluvia no es sólo agua, así como las personas no son sólo cuerpo, que adentro de cada uno hay un pasado y un presente, y que el encuentro entre dos indefensos es empaparse...

Conozcan a Alma, conozcan a Roberto (Ernesto Alterio, otro gran actor) y disfruten de la lluvia.

Perdidos en Tokio (2003)

Titulo Original: Lost in Translation

Director: Sofia Coppola

“Let’s never come here again because it will never be as much fun” – Charlotte

Bob Harris (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson)  por diferentes motivos van a parar en un hotel de Tokio. Él es un famoso actor que visita Japón para filmar un comercial. 

Ella es una esposa joven que acompaña a su marido fotógrafo. Ambos están totalmente perdidos, no se encuentran en su ambiente, no pueden dormir debido al cambio horario y la barrera idiomatica 

que se presenta. Debido a esto surge entre ambos breve conexión que los ayuda a sobrellevar sus malestares, que obviamente incluyen un cierto descontento con la vida. Ninguno resuelve del todo su situación, pero al menos sienten que el otro lo entiende.

La película es sencilla pero profunda en su fondo. Va mostrando "las aventuras" de la pareja protagonista que son bien simples e insípidas, pero van desarrollando un lazo emocional entre ambos, que no se expresa con gran drama, sino más bien con sutileza. haciéndola más creíble y diferente a los dramas de Hollywood, lo cual puede llegar a parecer que la película no tiene fuerza.

Ya he visto la cinta varias veces y siempre me mantiene entretenida observando todos los gestos y pensando a cada momento hasta donde llega el enamoramiento momentáneo de ambos. Y tal vez más de uno se haya quedado dormido ya que la historia no están fluida. En mi caso siempre me ha gustado lo sutil, todo aquello en lo que pueda pensar "que quiso decir con eso" o ese ambiente de deseo mutuo que no se termina de concretar hasta mucho después.Prefiero suponer.

The Road (2009)

- ¿Alguna vez deseaste morir? 
- No. Pedir lujos en estos tiempos es una tontería.

"The Road" tiene, en la superficie, poco guión para justificar una recomendación. Un hombre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) recorren caminos cubiertos de ceniza tras un evento apocalíptico que terminó, aparentemente, con toda la flora y fauna del planeta. Muy poca gente subsiste, y la que lo hace tiene problemas para alimentarse. Eventualmente descubrimos que muchos sobrevivientes decaen al canibalismo.

Padre e hijo tienen una única misión: llegar a la costa.

"Noches más oscuras que la oscuridad y cada día más gris que el anterior. Como el comienzo de un frío glaucoma atenuando el mundo." Así comienza la novela de Cormac McCarthy en la cual se basa la película, cuya cruel poesía ha sido adaptada de manera sublime al celuloide. Es un mundo oscuro, de tonos grises y marrones, desolador y hermoso en partes iguales, pero absolutamente conviencente - "The Road" consume al espectador con actuaciones sólidas, una fotografía impactante y la cruda certeza de saber que, pase lo que pase a continuación, el final jamás sera el esperado.

El hilo conductor de "The Road" son las relaciones humanas. La de un padre intentando cuidar y criar a su hijo aterrorizado por un cataclismo que no puede entender, pero aún capaz de ser optimista y amable en su inocencia. Los dilemas éticos sobre enseñar la mejor manera de suicidarse con un arma, que hacer con un viejo (Robert Duvall, robándose 10 minutos de película) que muere de hambre o un hombre que les roba no por que quiera sino porque lo necesita. Y aún mas poderosos son los segmentos donde el Padre recuerda la vida con su esposa (Charlize Theron) y sus reacciones ante el fin del mundo.

"The Road" es triste y desoladora, pero transciende sus tonos grises con poderosas parábolas sobre la fe, la amabilidad y la familia. Padre, hijo e espectadores comprenden con cada paso que el único objetivo de sobrevivir cuando no hay ninguna razón para hacerlo es, quizas, que aún en las condiciones más terribles la humanidad debe prevalecer. "Llevamos la llama", explica el padre, y la expresion de Mortensen demuestra que lo único honesto en esa frase es el intento de que su hijo no pierda la fe. Aún cuando su hijo, como cualquier otro, entiende más de lo que su padre desearía.

Ciertamente no es una película para todos.  Pero si el argumento llama tu atención no puedo más que recomendarla encarecidamente. Es un viaje visceral y duro, pero que bien vale la pena.