Elle (2016)

Director: Paul Verhoeven 

Me cuesta empezar con esta review porque hasta ahora no sé si me gustó la película o no. Lo único que puedo decir es que me dejó una sensación duradera después de verla, y eso es algo.

Michèle es una exitosa empresaria de la industria de los videojuegos.
El film comienza con un ataque en su propia casa, donde Elle es agredida y violada. Luego, sin más, se pone de pie, limpia la escena del crimen y sigue con su vida.
Este comienzo, así, tan crudo, cumple con el fin de presentarnos una trama que engancha desde cero y que nos habla de una mujer cuyo accionar no siempre es comprensible.
Cuando el acosador comienza a enviarle mensajes, dando a entender que la observa, Elle decide descubrir su identidad por  cuenta propia sin involucrar a la policía.

Sin embargo, la trama no se centra tanto en este hecho de abuso, sino en la retorcida mente de la protagonista y todas las personas que la rodean.
Sí. La forma de describir esta película es diciendo que es retorcida por donde se la mire.
No se trata de los thriller psicológicos a los que estamos acostumbrados, no cae en clichés, sino que nos presenta personas que, de alguna manera, resultan tan creíbles que te erizan la piel.

Su pasado, sus relaciones con su ex esposo, con su hijo, con su madre, con su mejor amiga, con sus amantes, con sus empleados e, incluso, con el violador, son enfermizas y rebuscadas.
Esta actriz la conocía de La pianiste y, al igual que en esa película, consigue una actuación incómoda, que moviliza (para bien o para mal).

No me atrevo a hacer una recomendación, no les diría: mírenla. Solo puedo decir que atrapa, que es ágil (cosa que no siempre pasa con el cine francés), que está tan bien guionada que merece un aplauso, que las actuaciones son buenas y la trama escapa de lo común. Pero... es como beber una coca-cola zero, puede parecer que es agradable al gusto, hasta que pasan unos minutos y solo queda el sabor amargo del edulcorante en el paladar.

Y por ese amargor es que no puedo sacármela de la cabeza jeje.

Ya me dirán si les encantó, si creen que su puntaje de IMDB (7,2) la hace justicia o si piensan que está sobrevalorada.

Who Am I - Kein System ist sicher (2014)

<< Ningún Sistema es seguro >>

Who am I es un thriller psicológico alemán enmarcado en el extenso mundo de los hackers, escenario donde se pueden encontrar personalidades de todo tipo, intereses de lo más dispares, criterios éticos y morales muy específicos, así como la total falta de ellos, intrincadas relaciones sociales, posturas anarquistas, paranoias... etc.
Esta película tiene un poco de todo, combinado de una forma muy eficaz.

La historia gira al rededor de Benjamin, un hacker introvertido que conoce a un grupo de hackers subversivos unidos por diferentes intereses que ponen en juego las inquietudes existenciales de cada uno, con la necesidad de trabajar en conjunto.
Motivados por diferentes razones llevan a cabo ataques a grandes sistemas informáticos que cobran importancia pública y comienzan a ser investigados por la policía alemana y la Europol.
Aunque no se caracterice por originalidad en la trama, el resultado logrado es excelente. Articula en perfecto equilibrio todos los aspectos de producción cinematográfica: banda de sonido, guión, fotografía impecable (¿casi estilo cyberpunk?). Utiliza diferentes recursos visuales y estéticos muy efectivos. Todo logra un ritmo constante - de tire y afloje en la medida justa- para mantener al espectador pegado a la pantalla, sin agotar, ni aburrir.
Cabe mencionar que ésto se logra también gracias a la calidad actoral completa. Cada personaje, cada personalidad contrastante está cuidadosamente desarrollada por los actores.

Se puede decir que el tema es un cliché, que las ideas, contextos y personajes están un poco exagerados... pero el resultado es el mejor que se puede lograr con todo el material que el director elige utilizar.
Recomendadísima.

Tron: Legacy (2010)

Es una película de Disney, por lo tanto pochoclera a más no poder. Digna de un sábado a la tarde sin nada que hacer y un paquete de bizcochitos.

Tuve justamente esa oportunidad, y disfruté de principio a fin la calidad estética de toda la película. Impecable 3-D. Te seduce, no te deja pestanear. Sobre todo a los fanáticos de videojuegos.
Y Daft Punk muy brillantemente supo darle el sonido adecuado al estilo, logrando así con imagen+sonido el escenario ideal para sentirte realmente dentro del mundo virtual donde se desarrolla la historia.

La trama es interesante, aunque el desarrollo es bastante predecible como suele suceder con todas las tramas de Disney. Sin embargo alcanza para generar la curiosidad de querer saber qué pasa luego, e ir intentando adivinar cómo terminará todo. Además se desarrolla todo dentro de un contexto virtual, donde las leyes son diferentes y lo "normal" se define con parámetros diferentes a los nuestros.

Funciona muy bien para desenchufarte de tu mundo por dos horas, y enchufarte a otra realidad mucho más divertida y emocionante.

Eye in the sky (2016)

Nunca le diga a un soldado que no conoce el costo de la guerra.

La coronel británica Katherine Powell (Helen Mirren) comienza su día en "Eye in the sky" con café y órdenes de monitorear una casa en Kenya que se sospecha alberga tres de los terroristas más buscados del mundo. Coordina a un piloto de drones norteamericano (Aaron Paul) que observa la escena desde 4 kilómetros sobre el cielo, analistas de imagen en Hawaii y un joven agente Keniano en el lugar (Barkhad Abdi, impecable) que usa cámaras disfrazadas de pájaros o insectos para ver dentro de la casa, cuando descubre que los terroristas planean un doble ataque suicida.

Pilotos, comandantes, políticos, analistas y agentes de tierra tienen ahora que decidir si la operación pasa de vigilancia a ataque. El único problema: una niña vende pan justo afuera de la casa. El tiempo apremia. ¿La amenaza de dos hombres bomba y cientos de posibles víctimas justifica su muerte?

Los argumentos morales y técnicos suben y bajan por la cadena de decisiones que involucra a diez actores en tres países diferentes mientras el reloj corre, implacable, en tiempo real. El piloto hace lo imposible por no apretar el gatillo. La representante parlamentaria opina que arriesgar la vida de la niña es injustificable. La coronel no ve alternativa alguna. El secretario de política exterior teme por las repercusiones políticas de autorizar el ataque - y las de no autorizarlo. El fiscal general analiza las implicaciones legales. El departamento de estado Norteamericano argumenta que el valor de los blancos justifica el riesgo. Y todos, a la vez y por diferentes motivos, tienen razón.

El valor de "Eye in the sky" es lograr construir una historia atrapante basada en este escenario, donde la tragedia y las repercusiones recaerán, inevitablemente, en alguien, pero sin reducir a ninguno de los lados del argumento a una caricatura. El hecho de que las decisiones se tomen a miles de kilómetros del conflicto ("té y galletas mediante" como remarca el General Benson, un impecable Alan Rickman oficiando de enlace entre todas las partes) no disminuye en un ápice el drama. De hecho, el principal mensaje de la película es quizás que tomar posturas morales en situaciones que no son de blanco y negro termina siendo cínico: un punto remarcado de manera brillante en la última escena de la película - que coincide en ser la última escena jamás actuada por Rickman.

"Eye in the sky" no es una película pochoclera, con héroes y villanos obvios. Crea un ambiente de tensión increíble e incluso después de darle resolución nunca ofrece soluciones simples, dejando al espectador en la incómoda pero interesante posición de plantearse que haría en una situación semejante; no es poco para los tiempos que corren. Recomendadísima.

Zoolander 2 (2016)

Director: Ben Stiller
Ben Stiller, Owen Wilson, Penélope Cruz

Vuelven los modelos más bizarros del cine. Ben Stiller lo hizo de nuevo, después de 15 años desde que se estrenó la primera.
La historia continúa donde dejó la 1, en este caso una serie de famosos del pop están siendo asesinados (entre ellos Justin Bieber)  y todos antes de morir postean la cara famosa del modelo Derek Zoolander, a partir de ahí arranca una película que nunca se toman nada en serio. Básicamente con solo mirar las caras que hacen los dos protagonistas te hace largar una risa,
Me hizo reír desde que empezó hasta que terminó. En los momentos más emotivos o tristes te hacen largar una carcajada. En este caso muchos famosos aparecen, como Sting (para el que le guste The Police va a encontrar varias referencias a sus discos), y cada uno se suma de una manera correcta (muy bueno el palo que le pegan a Justin Bieber).
Lo que más destaca siempre es la dupla que logran Ben Stiller y Owen Wilson. Muchas películas han hecho juntos y se nota que entre ellos hay una química cinematográfica única.

En mi opinión la película fue mal evaluada (en IMDB le pusieron 5.3). Es muy recomendada, en especial si les gustó la primer película. Tiene todo lo que esperás de Zoolander. Si se quieren reir sin parar les recomiendo que vayan a verla, no se van a arrepentir.

Recomendada para los que les gusta el humor particular que tiene Ben Stiller y en especial Zoolander.

Woman in Gold (2015)

La dama de oro.

Director: Simon Curtis 
Helen Mirren, Ryan Reynolds

Basada en hechos reales, cuenta la historia de María Altmann, una mujer austríaca que tiene que huir de su país en la segunda guerra mundial y refugiarse en Estados Unidos. 
Después de la muerte de su hermana, María se propone recuperar el cuadro de su tía Adele Bloch-Bauer, el famoso cuadro conocido como la dama de oro, que fue apropiado por los nazis y que hasta ese entonces estaba expuesto en un museo en Viena considerado un ícono del país.
Sin saber cómo proceder, pide consejo a un joven abogado, hijo de otra de las familias judías, quien termina involucrando emocionalmente en la causa.

La historia de por si es bella. Helen Mirren es una gran actriz y eleva el personaje de María hasta hacerlo adorable. La peli nos muestra las dos épocas, la actual en la que María es una mujer mayor con una vida muy distinta a la que supo tener, y el pasado, en el que ella era una joven esposa judía de una familia adinerada que se ve forzada a dejar su patria. Pero lo que más me gustó y la razón por la que la recomiendo es la forma en que muestra las secuelas que dejó el nazismo y que hoy en día persisten.
Austria, si bien aprueba una ley de restitución de obras de arte apropiadas, no está dispuesta a dejar ir lo que considera su Mona Lisa y sobre todo no está dispuesta a admitir su participación y complicidad con el nazismo.
Con todo, es una película sencilla, con sus momentos de reflexión acerca de la identidad de los personajes y la responsabilidad que tenemos sobre nuestra historia tanto personal como la que nos toca como país.
En conclusión, un gran film que vale la pena mirar.

Begin Again (2013)

Begin Again (2013)

Director: John Carney

Keira Knightley, Mark Ruffalo

La historia se centra en dos personajes que se encuentran en crisis. Por un lado Gretta una canta-autora algo under que vino de Londres con su novio para acompañarlo en su gira luego de que él saltase a la fama. Y Dan, un productor que ya no encaja con la firma que él mismo creó.

Cuando Gretta se entera que su novio la engañó queda sola en NYC y se va a vivir con un amigo, músico callejero, quien, para levantarle el ánimo la incita a cantar en un cantobar. Allí es donde Dan la descubre y ambos intentan empezar un proyecto que haga repuntar sus vidas.

Es una linda historia, ni drama ni comedia para ser exactos pero tiene un poco de ambas. 

La trama es amena, los personajes tiernos, entrañables. Y el tema central bien definido... mantenerse fiel a uno mismo.

Presenta la disyuntiva de hacer lo que te gusta vs. lo que vende y de lo que se deja atrás camino al éxito.

En general me gustó mucho, aunque creo que falla en el intento de mostrar ese "algo distinto" que se supone ellos hacen. Pero la película es si es entretenida, para pasar un buen rato, sin mambos o golpes bajos ni demasiados clichés.

Recomendada para cuando están aburridos o necesitan desenchufarse. Espero les guste.

El violín (2005)

El violín es una película mexicana que cuenta la historia del viejo Don Plutarco, su hijo Genaro y su nieto Lucio, tres músicos que se ganan la vida por las calles de los pueblitos selváticos de México. A su vez son parte de la resistencia guerrillera campesina que reclama el derecho a la tierra, y que intenta muy dificilmente sobrevivir a la violenta represión del gobierno con las Fuerzas Armadas Nacionales, arrasando los pueblos rurales y torturando en busca de "subversivos".

La película es una joya del neorrealismo. La fotografía en blanco y negro, los escenarios selváticos y los planos a los rostros de los personajes (brillante selección actoral, excelentes caracterizaciones) te hacen vivir la historia como si te la estuviera contando un amigo cercano.
La trama tiene una fuerza dramática muy bien equilibrada con el guión: no se excede (nunca hay llantos o escenas desgarradoras, -exceptuando el prólogo-) pero nunca te suelta: durante la hora y media que dura la película la situación de los personajes se vuelve un dilema tan intrigante y tan humano que querés constantemente saber cómo se va a desenlazar. Y no defrauda.

Es interesante mencionar que si bien se supone que la historia se desarrolla durante la guerra sucia de México ocurrida en los 60' y 70', no se hace referencia histórica explícita, evidenciando una situación que puede pertenecer a cualquier época y casi cualquier contexto socio-político, e incluso (lamentablemente) de la actualidad.

No me gusta spoilear nada, así que simplemente les recomiendo que la vean, porque vale la pena ver cómo los protagonistas se las van ingeniando para resolver las complicaciones que se le van presentando, como luchan para sobrevivir a los malos tiempos, y cómo mantienen viva la esperanza, la unidad y la identidad del pueblo.


El violín es una obra de arte que combina impactantes imágenes, diálogos, sencillez humana, violencia, ingenio, resistencia, realidad y valores morales.

Jin Ling Shi San Chai (Las flores de la guerra)

Las Flores de la Guerra es un drama histórico basado en la novela Las 13 mujeres de Nankin escrita por Geling Yan, sobre un -brutal- hecho real sucedido en la segunda guerra chino-japonesa (1937).

Zhang Yimou (admirable director) muestra que la guerra no es más que un gran escenario para que el ser humano despliegue su miseria, hasta en los actos más mínimos. Cada miembro de la guerra lleva su propia guerra personal, y en esta historia podemos ver cómo cada uno debe inevitablemente enfrentarse a situaciones que ponen en juego la compasión, el honor, el sacrificio, la piedad, la dignidad... y todos sus opuestos.

Yimou pone en evidencia todas las atrocidades con una naturalidad impactante. Las escenas no escatiman sangre, frialdad, realismo hasta el punto de hacerte llorar pero querer seguir viendo para saber hasta qué punto de cruda es la guerra.

Al principio de la película me preguntaba porqué Christian Bale, pero luego noté que la historia era una combinación perfecta de 3 diferentes personalidades: el fanático hasta el extremo soldado japonés, la delicada y sensible mujer oriental y el egoista y racional hombre americano.

"A veces la verdad es lo último que necesitamos oir" dice en un momento una de las prostitutas, y me dejó pensando que el problema de esa frase es que las verdades que construimos los seres humanos son tan terribles -inhumanas- que no las queremos ver, pero precisamente por ello es que vale la pena ver esta película.

"Por más que nos impresione esto es lo que somos" bien me dijo una vez una amiga, y en esta ocasión lo recordé. Somos esta mezcla de barbarie y sensibilidad.

Angel Heart (1987)

Es una película ochentera por donde se lo mire. Está ambientada en el año 1955 en Nueva York y Nueva Orleans. La historia arranca cuando Louis Cyphre (Robert De Niro) contrata al detective Harry Angel (Mickey Rourke) para localizar a un cantante que le debe algo. La investigación lo va llevando por distintos lugares y va conociendo qué le fue pasando a esta persona y a las personas que estuvieron con él.
La ambientación lograda es muy buena, sombría, contiene elementos de vudú, magia negra y demás. Es bastante explícita en algunas escenas. Cuesta verlos a los actores principales tan jóvenes y sin cirugías.
Tiene muchos elementos de Estados Unidos post segunda guerra mundial, como el uso de la morfina, con cosas muy particulares de los lugares donde fue filmada, como la comunidad negra en Nueva Orleans con sus religiones y tradiciones. Un detalle muy latente es el racismo que había en esa època en el que se muestra.


Es una película recomendable para gente que le gustan los thrillers mezclados con terror y que no tiene problemas de ver alguna que otra cosa explícita. Dura casi 2 horas, así que les recomiendo verla sin luz y buen sonido.

Magic in the Moonlight (2014)

La realidad no es como en las películas,

pero se parece mucho a las de Woody Allen.
Una nueva obra de este excelente director es, para mí, como estar entre amigos. Aunque los escenarios que elige para desarrollar una historia suelen ser bastante rústicos y extravagantes, la esencia de los personajes resulta común y familiar.

En esta oportunidad, la historia se desarrolla en los años 20, en medio de una familia muy adinerada de la Costa Azul de Francia, donde un soberbio mago inglés (Colin Firth) intenta desenmascarar a una falsa 'medium' (Emma Stone) que está estafando a la familia.
En este contexto tenemos elegancia visual garantizada. Vestuario, escenario y música delicadísima.
Y gracias a esa temática nos encontramos con una riqueza de diálogos presentados de una manera sutil y natural. Creo que ésta es de las mayores cualidades de las películas de W.A.: el guión está lleno de conversaciones que nosotros alguna vez tuvimos, con palabras como las nuestras, con ideas con las que más de una vez seguramente nos hemos encontrado.
La arrogancia de Stanley lo lleva constantemente a cuestionar los "poderes ocultos" de Sophie y la creencia en lo desconocido de la familia, apelando siempre a la lógica y a la razón, mientras que ella le va demostrando la importancia, el valor, y el poder que tiene la "necesidad de creer" de los seres humanos.

-¿Quién dice QUÉ es posible? Soy médico y siempre salen a la luz nuevos hechos, se hacen nuevos descubrimientos todo el tiempo. Cosas que nunca soñamos que fueran posibles. Curar a alguien de ceguera... haciéndolo hablar de su niñez en un diván. ¿Quién lo hubiera creído?  

- ¡Pero desafía todo nuestro concepto de realidad!

Magic in the moonlight no te revela ninguna verdad, no te dice nada nuevo, simplemente te sorprende una y otra vez, de escena a escena, representando nuestra propia realidad de una forma maravillosa.
La vida misma.

The Help (2011)

Director: Tate Taylor

The help es una película de Oscar ¿A qué me refiero? A que está escrita para ganar uno. La temática no nos resulta nueva, el punto de vista tampoco, la narración menos que menos, pero el conjunto sigue dando un resultado que gusta y funciona. Algo así como una big mac. The help es ir a lo seguro, a lo conocido y a lo que sacia.

Basada en un libro de Kathryn Stockett, cuenta la historia de las sirvientas negras en Mississippi en los años '60, época en la que la figura de Martin Luther King tomaba relevancia, pero más precisamente la vida de dos de ellas Aibileen y Minny que trabajan para el mismo círculo social.
Skeeter, es una chica de buena cuna con un gran deseo de escribir, en una charla con sus amigas sureñas, escucha que una de ellas intenta proponer una ley de sanidad que obligue a cada casa tener un baño separado -y preferentemente afuera- para los sirvientes negros, quienes, según ella, son portadores de enfermedades. Semejante necedad, empuja a Skeeter a querer contar como viven las mujeres negras. Una de las preguntas que hace es ¿Qué se siente criar a los hijos de los blancos cuando otro está criando a los tuyos?

The help nos brinda un relato ameno, recurriendo a personajes ocurrentes y enternecedores, a villanos bien definidos, a momentos de reflexión, de ternura, de risa y de llanto.
Con buenas actuaciones y lindos diálogos, la peli termina dándonos todo. Y es por eso que la recomiendo. Quizá con los años se pierda entre las del montón, pero algún día la agarremos por el cable y terminemos pasando un momento ameno.


Para puntuar entre un 7 y 8 sobre diez.

I Origins (2014)

Cuando vi I Origins me pareció una linda película, sin demasiada trascendencia. Sin embargo a la semana me di cuenta de que todavía seguía pensando en ella, repitiendo mentalmente algunas escenas e imágenes y, lo que es mejor, reflexionando sobre algunas ideas que se plantean durante la historia.

I Origins es un sci-fi drama que cuenta la historia del Doctor Ian Gray (Michael Pitt), un biólogo molecular obsesionado con estudiar la evolución del ojo humano, y dos mujeres que marcarán su vida:
Karen (Brit Marling), su compañera de laboratorio que con su inteligencia y su capacidad estimulará a Ian a profundizar sus teorías y así a afianzar sus ideas,
y Sofi (Astrid Bergès-Frisbey), su total antítesis, que con su gracia, inocencia y belleza llegará a enamorarlo y poner en jaque todas sus creencias.

Dentro del guión muy bien logrado, se encuentran constantemente debates sobre las diferencias ideológicas entre la ciencia y la religión, sobre la existencia y pruebas de Dios, sobre los límites morales de la ciencia, sobre el amor, las prioridades y las decisiones del ser humano.
La historia está muy bien llevada por los actores (todos excelentes) y una escenografía y fotografía muy cuidada y equilibrada con el ritmo de la película.


RECOMENDADÍSIMA.

Lego (2014)

Lego (2014)

Directores: Phil Lord, Christopher Miller

Una Película imperdible para grandes y chicos sin duda. 

En el mundo Lego cada uno tiene su lugar, cada día empieza y termina siguiendo las instrucciones de Lord Business y todos parecen felices. Sin embargo, hay un grupo que se resiste a vivir de ésta manera y buscan al elegido, que, según cuenta la profecía es el Lego que encuentre la pieza de la resistencia, la única pieza capaz de detener el arma más letal del mundo - el pegamento - que está en manos del villano Lord Business.

Lego nos presenta un mundo digno de una película de ci-fi clásica, sólo que cambia el gris de la opresión por el fantástico colorido del mundo de juguetes y con una seguidilla de personajes geniales.

Es sin duda algo distinto, pero a su vez nos ofrece lo que todos queremos ver en las nuevas pelis de animación: Humor para grandes y chicos, un mensaje y diversión.

Lo mejor de lo mejor, es Batman-Lego. Sin duda es el personaje que se lleva todos los aplausos, sin embargo lo acompañan muchísimos otros como el policía bueno y malo, la dinámica entre superman y linterna verde y obviamente el protagonista de nuestra historia, un lego constructor que llega a sentir que por una vez en su vida puede ser especial.

Háganse un tiempito para verla, no se van a arrepentir y queden una semana tarareando Everything is Awesome!!!!

Citizen X (1995)

- Usted cree que un hombre es lo que dice, ¿no es así, Coronel?
- Lo es si se gana la vida hablando.

Ambientada en la Unión Soviética de los 80s, "Citizen X" cuenta la historia de Burakov (Stephen Rea), un joven experto forense que conecta el descubrimiento de ocho cadáveres en los bosques de Rostov con la existencia de un asesino serial. Su jefe, el Coronel Fetisov (un brillante Donald Sutherland), militar de carrera preocupado más que nada por su futuro político en el Partido Comunista, rápidamente asigna a Burakov como detective a cargo del caso - sin experiencia previa. Burakov es eficiente, honesto y confiable, atributos que Fetisov rápidamente detecta y decide aprovechar.

Al espanto de Burakov cuando los cadáveres, en su mayoría niños y niñás, continúan apilándose se le suma la frustración de tener que enfrentar la oposición abierta de sus propios superiores. “No existen los asesinos seriales en el estado Soviético", asegura el jefe local del partido. “Es un fenómeno decandente del Oeste.” Sus pedidos para obtener equipamento, recursos, publicidad o incluso la ayuda del FBI son rechazados. Sus jefes lo ridiculizan. Y así transcurren ocho años de lento progreso para Burakov, quien trabaja rigurosa y exhaustivamente con los pocos recursos que consigue. Nada ayuda que el partido lo obligue a arrestar doctores (palabra clave para "Judios" en la Rusia Soviética) y homosexuales con regularidad, solo para satisfacer los deseos del Politburó, o verse obligado a liberar a su principal sospechoso luego de enterarse que es miembro del Partido y que su análisis de sangre resulta negativo en circunstancias poco claras.

Toda esta historia, cabe aclarar, es real. El sospechoso resulta ser Andrei Chikatilo, "el carnicero de Rostov", quien sería acusado formalmente de 52 asesinatos a principios de 1990. La película pasa de "buena" a sencillamente fantástica cuando la llegada de la Perestroika sacude los cimientos del pais y Fetisov, quien guiaba a Burakov a través de los intrincados caminos de la burocracia Soviética, se ve finalmente posibilitado de ofrecerle recursos reales para atrapar a Chikatilo.

"Citizen X" es una película para televisión producida nada menos que por HBO. Con actuaciones brillantes, una ambientación impecable, gran guión y muy buenos valores de producción es sin duda una de las mejores películas sobre asesinos seriales que haya tenido oportunidad de ver. Me atrevo incluso a decir que es demasiado buena para ser una producción de TV; si hubiese sido una película de alto presupuesto Donald Sutherland posiblemente se hubiese llevado una nominación al Oscar. Tuvo que conformarse solo con un Emmy y un Globo de Oro.

Recomendadísima.

Godzilla (2014)

Director: Gareth Edwards
Writers: Max Borenstein (screenplay), Dave Callaham (story)
Stars: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston

Ayer quise aportar un análisis a este blog y me hice una escapada al cine para ver esta película. Como ven en el título se trata de una remake de una remake de una remake de un clásico del cine. Este tipo de películas demuestran que se les terminaron las ideas y reviven viejos clásicos por enésima vez (ejemplos: Spiderman, Robocop).

Esta versión es más fiel a la versión de 1954. Para los que recuerden la versión de 1998, la historia de esta película la variaron con respecto a esa versión. La historia es la que saben, aparece Godzilla y se arma la podrida. En este caso se suman otros bichos para hacerlo más interesante. La ciudad elegida para ser destruida es San Francisco en este caso.

La película no sobresale en nada, es la típica película de desastres ficticios con los clichés de toda película hollywoodense: Personaje con un accidente familiar que lo trauma y lo obsesiona, lo ven como un loco pero tenía razón, aparece el ejército yanqui para arreglar las cosas, etc. A medida que transcurre la película no sabés cómo van a mezclar al protagonista con la historia, o sea, nunca sabés qué pito toca hasta que en un momento la safan con unas escenas heroicas. Me pasó que cuando aparecían los bichos los quería ver en acción, pero no los aprovecharon como deberían (creo que solo una escena estuvo buena, el resto no).  Otra cosa que me pasó es que cuando vi a Bryan Cranston en la película veía a Walter White con otra profesión. Es increíble cómo se les pega un personaje a un actor (me pasa con Elijah Wood, para mi será Frodo para siempre).

Resumiendo, es una película del montón. Es, como diría un amigo, bajable. Si se la pierden en el cine mejor, porque no justifica gastar una entrada en el cine para ver algo que ya vieron en miles de otras películas. Los efectos son buenos, la historia safa, pero no está bien aprovechada y caen en lo de siempre para captar más público.

Piano, solo (2007)

Bellísima.

"Piano, solo" es sencillamente la triste historia de vida del pianista y compositor de jazz italiano Luca Flores.
Dirigida por Riccardo Milani y basada en el libro "Il disco del mondo - Vita breve di Luca Flores, musicista", de Walter Veltroni.

Días y semanas después de verla me encontré en reiteradas ocasiones pensando en Luca, a veces en escenas puntuales y otras simplemente en la imagen que se formó en mí de tan inolvidable persona. Esto es obra y gracia del director, escritor y guionistas (Ivan Cotroneo, Claudio Piersanti.), que supieron presentar cada hecho de la historia del músico que lo fue formando, que lo fue moldeando, que fue definiendo cada nota de su vida que lo llevó a la inevitable cadencia final.

Me gusta decir que el elenco es bellísimo, y no me refiero sólo a belleza estética sino también a esa belleza armónica que puede conformar una persona, cuando transmite lo mismo con la imagen, con las palabras y con los gestos. Luca vivió rodeado de personas de diferentes estilos, que cada actor interpreta a la perfección.
Visualmente es hermosa, filmada en Florencia y otras partes de Italia, y con una fotografía muy elegante y sutilmente lograda, a cargo de Arnaldo Catinari. Sin impresionar, esas imágenes se te graban.

"Piano, solo", además de ser una fiel biografía y un intenso drama existencial, es el significado del jazz, del jazz en el hombre.
"Piano, solo" es la pregunta inconclusa de si el hombre compone jazz, o el jazz compone al hombre.

Imperdible.

The conversation (1974)

No le temo a la muerte. Le temo al asesinato.

Harry Caul (Gene Hackman) es posiblemente el mejor especialista en vigilancia del país. Perfeccionista, solitario y reservado, pasa la mitad de su vida espiando por encargo y la otra mitad evitando ser espiado. Hackman construye de manera brillante a un personaje que ha perfeccionado sus habilidades a costa de ciertas cualidades humanas; puede confesarse por robar un diario pero no porque su trabajo termine matando a alguien - el resultado de su trabajo, explica, no le interesa. Es un profesional. No hace preguntas porque no le corresponde pero, principalmente, porque no quiere tener que lidiar con las respuestas.

La película comienza justo en mitad de su mejor trabajo: espiar a dos personas en medio de una enorme plaza pública en San Francisco. A través de un número de escenas brillantes (con una impecable edición de sonido - quizás una de las mejores que haya oído), encontramos a Harry resolviendo el problema y, mientras trabaja en el resultado final, repitiendo la grabación una y otra vez, se convence de que alguien morirá a causa de ella.

Lo interesante es que mientras progresa la trama su propia interpretación de esa grabación va cambiando. Tiene en sus mandos un documento sólido e innegable pero lo que entiende sobre el mismo varía; la grabación es clara pero se niega a revelar su significado. Y es justamente la búsqueda de ese significado lo que lleva a hundirse en una conspiración de espionaje corporativo y asesinato, obligándolo a confrontar decisiones morales respecto a su trabajo.

"La conversación" es un thriller brillante construído alrededor de una sola línea de diálogo. Habla sobre paranoia, invasión de privacidad, espionaje y crisis de consciencia en un hombre que no desea saber, pero lo hace, y como ese conocimiento lo destruye de a poco.

Coppola dirigió a "La conversación" como un proyecto pequeño entre la filmación de las dos primeras partes de "El Padrino". El hecho de que "La conversación" fuese nominada al Oscar por mejor película y perdiese ante, justamente, "El Padrino II" es testamento de la calidad de esta obra. Brillantemente filmada y actuada, con una banda sonora minimalista a cargo de David Shire y un trabajo increíble de edición de sonido a mano del legendario Walter Murch, "La conversación" es una de las mejores obras de los '70 y uno de los mejores thrillers de la historia. Recomendadísima.

A Late Quartet (2012)

No se puede explicar la música,
no se puede comprender al ser humano.
No se puede explicar la relación entre dos personas,
ni se puede comprender la relación entre el hombre y la música.

A Late Quartet muestra con delicada precisión cómo es la vida del músico: cuáles son sus pasiones, sus desafíos, sus miedos.
A Late Quartet muestra cómo es el ser humano: sus miserias, sus amores, su día a día, sus miedos.

¿Pero cómo?
Lo maravilloso de esta película es que presenta diferentes versiones de cada uno:
el músico apasionado que sólo desea dejarse llevar por la música,
el músico perfeccionista que espera que su interpretación sea exactamente como tiene que ser...
El hombre viejo que enfrenta la realidad de estar transitando la última etapa de su vida y una enfermedad neurodegenerativa,
la chica adolescente que va aprendiendo a separar los hilos de su propia historia de la telaraña tejida por sus padres,
la madre que sigue buscando el diálogo que nunca pudo conseguir con su hija...
etcétera.

Cada persona es una historia diferente, fuertemente enlazada por el leit motiv de sus vidas: la Música.

Podría decir muchísimas cosas más de la película, como que la calidad musical está en un nivel que poco se ve en el cine, los actores son excelentes (Christopher Walken, Philip Seymour Hoffman..!), la historia muy real.... pero verdaderamente en este caso, como en la música, vale muchísimo más que cualquier palabra, sentarse a escuchar, ver y disfrutar de esta hermosa (y dramática) película.

Nebraska (2013)

Mientras miraba la película pensaba cómo habría sido realmente: si se eligieron los actores luego de la película, o se escribió la película por la cara de los actores.
Nebraska es una forma cruda, lenta y amarga de presentar la miseria humana, la dejadez a la que podemos llegar como hombres, como hijos, como esposas, como familia. Es la clara imagen de "nada que perder" que los años nos va dibujando en la cara, en nuestra historia.
En este caso, la realidad se presenta a través de Woody, un viejo senil que cree haber ganado un millón de dólares por una publicidad que le llega por correo, y se encapricha con ir hasta Lincoln (Nebraska) aunque tenga que ser caminando, a buscar su premio. David es uno de sus dos hijos que decide llevarlo hasta Lincoln en auto, un poco para que su padre deje de escaparse caminando y que lo devuelva la policía que lo encuentra en el camino, y otro poco para escaparse él mismo de su vida, que se estaba volviendo cada vez más triste.
En todo el camino se van cruzando con muchas personas, y de cada una de ellas se ven diferentes formas en que se transforma la vida a merced del tiempo y del abandono.

Me gustó esta película por varias razones, a saber:
- La cara de los personajes. 
                   Son el fiel reflejo de la idea general de la película.
- La música. 
                   Me pareció EXCELENTE la banda de sonido elegida.
- El guión. 
                   No se habla demasiado, pero cuando se habla, queda muy claro cómo es cada personaje, qué quiere decir, qué significa... y además (en lo personal) me hacía pensar si yo en la misma situación no diría las mismas cosas.

Woody: - "I don't remember. And it doesn't matter."
[...]

Kate: - "You can all just go fuck yourselves!"

- La dirección.
                   La historia es realmente aburrida (¿A quién le importa la vida de un viejo terco y senil?) , pero muy habilmente el director logra desde el principio que el espectador quiera saber cada vez más cómo va a terminar la historia. Funciona, y funciona muy bien...


... y termina muy bien. Realmente la película de principio a fin no te defrauda. Es aburrida y patética como la vida real, sí. De ello se vale para recordarnos que a nosotros, ese mundo miserable que se parece tanto al que vivimos día a día, y que nada nos dice ni nos afecta, nos interesa demasiado más de lo que quisiéramos.