Thank you for smoking (2005)

Lo hago para pagar la hipoteca.
(Defensa de Nuremberg, versión yuppie)

Es claro que deberíamos odiar a Nick Naylor (Aaron Eckhart), pero resulta imposible desde el segundo que aparece en pantalla. Es una persona inteligente, entretenida, gran companía y de carisma irresistible. Un trabajador nato, exitoso, que ama a su hijo. "¿Viste esa persona que puede levantarse a cualquier mujer?" nos cuenta. "Ese soy yo. En anfetaminas".

Lo dicho, Nick es agradable. También es, incidentalmente, vocero y lobbista de la industria tabacalera. Y es excelente en su trabajo; sus acciones pueden espantarte, pero su entusiasmo es contagioso. No importa si se trata de una escuela primaria, una audiencia de primetime, el mismísimo Senado o un modelo de Marlboro enfermo de cáncer terminal. Nick tiene, indefectiblemente, una respuesta para todos.

La película plantea contrapuntos sorprendentemente balanceados sobre el cigarrillo, pero supera esa temática y apunta sus cañones al lobbismo en general - políticos habladores, reporteros inescrupulosos, Hollywood, conductores de televisión y hasta fundamentalistas que terminan vendiendo su valores por dinero. La metralla golpea a todos, incluyendo a las masas que creen todo lo que se les vende. Y aún así es, en el fondo, la historia de un hombre intentando reconciliarse con lo que hace, los que lo rodean y, en particular, su hijo de doce años (Cameron Bright), a quien Nick, orgulloso y espantado en partes iguales, encuentra que se comporta día a día más como él. Las escenas del padre explicándole a su hijo en que consiste su trabajo son deliciosas. "Si argumentas correctamente, nunca estarás equivocado".

"Thank you for smoking" es una sátira inteligente, elegante y sumamente graciosa, del tipo que desgraciadamente ya no se ven muy seguido. Es el debút directorial de Jason Reitman, basada en una novela de Christopher Buckley. Y no solo cuenta con actores brillantes del calibre de Robert Duvall, William Macy, Maria Bello, Rob Lowe o Sam Elliot, sino con un guión y un ritmo impecables. Son 90 minutos que se te van a pasar volando. Recomendadísima.

Lluvia (2008)

Cuando nos atrapa la lluvia podemos empezar a sentir un poco la nada, creernos atrapados en un vacío sin sabor, o aún peor, con olor a monotonía.
Eso le pasa a Alma y nos pasa a nosotros, cuando al principio de la película (de la historia) la vemos varada en un embotellamiento en Buenos Aires causado por una intensa lluvia que no presenta indicios de terminar.

El agua tiene esa habilidad de desnudar, de dejarnos totalmente indefensos mientras va evidenciando nuestra forma más real... y esta idea la capta y la plasma en la historia nuestra directora Paula Hernández para mostrarnos, y mostrarle a ella misma, el desgano en el que vive Alma.



Y aquí hago una pausa para mencionar la calidad actoral que tiene Valeria Bertuccelli para representar esta personalidad que está tan llena de significado (que en una mala actuación aparentaría no ser nada).





Pero el agua sigue cayendo, y encontramos (junto con Alma) que hay más almas atrapadas en la misma lluvia, expuestas y dispuestas a tocarse unas con otras... conocerse... reconocerse...

LLUVIA es el título de la película y lluvia es también su significado; y vale la pena "empaparse" un poco para descubrir que la lluvia no es sólo agua, así como las personas no son sólo cuerpo, que adentro de cada uno hay un pasado y un presente, y que el encuentro entre dos indefensos es empaparse...

Conozcan a Alma, conozcan a Roberto (Ernesto Alterio, otro gran actor) y disfruten de la lluvia.

Perdidos en Tokio (2003)

Titulo Original: Lost in Translation

Director: Sofia Coppola

“Let’s never come here again because it will never be as much fun” – Charlotte

Bob Harris (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson)  por diferentes motivos van a parar en un hotel de Tokio. Él es un famoso actor que visita Japón para filmar un comercial. 

Ella es una esposa joven que acompaña a su marido fotógrafo. Ambos están totalmente perdidos, no se encuentran en su ambiente, no pueden dormir debido al cambio horario y la barrera idiomatica 

que se presenta. Debido a esto surge entre ambos breve conexión que los ayuda a sobrellevar sus malestares, que obviamente incluyen un cierto descontento con la vida. Ninguno resuelve del todo su situación, pero al menos sienten que el otro lo entiende.

La película es sencilla pero profunda en su fondo. Va mostrando "las aventuras" de la pareja protagonista que son bien simples e insípidas, pero van desarrollando un lazo emocional entre ambos, que no se expresa con gran drama, sino más bien con sutileza. haciéndola más creíble y diferente a los dramas de Hollywood, lo cual puede llegar a parecer que la película no tiene fuerza.

Ya he visto la cinta varias veces y siempre me mantiene entretenida observando todos los gestos y pensando a cada momento hasta donde llega el enamoramiento momentáneo de ambos. Y tal vez más de uno se haya quedado dormido ya que la historia no están fluida. En mi caso siempre me ha gustado lo sutil, todo aquello en lo que pueda pensar "que quiso decir con eso" o ese ambiente de deseo mutuo que no se termina de concretar hasta mucho después.Prefiero suponer.

The Road (2009)

- ¿Alguna vez deseaste morir? 
- No. Pedir lujos en estos tiempos es una tontería.

"The Road" tiene, en la superficie, poco guión para justificar una recomendación. Un hombre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) recorren caminos cubiertos de ceniza tras un evento apocalíptico que terminó, aparentemente, con toda la flora y fauna del planeta. Muy poca gente subsiste, y la que lo hace tiene problemas para alimentarse. Eventualmente descubrimos que muchos sobrevivientes decaen al canibalismo.

Padre e hijo tienen una única misión: llegar a la costa.

"Noches más oscuras que la oscuridad y cada día más gris que el anterior. Como el comienzo de un frío glaucoma atenuando el mundo." Así comienza la novela de Cormac McCarthy en la cual se basa la película, cuya cruel poesía ha sido adaptada de manera sublime al celuloide. Es un mundo oscuro, de tonos grises y marrones, desolador y hermoso en partes iguales, pero absolutamente conviencente - "The Road" consume al espectador con actuaciones sólidas, una fotografía impactante y la cruda certeza de saber que, pase lo que pase a continuación, el final jamás sera el esperado.

El hilo conductor de "The Road" son las relaciones humanas. La de un padre intentando cuidar y criar a su hijo aterrorizado por un cataclismo que no puede entender, pero aún capaz de ser optimista y amable en su inocencia. Los dilemas éticos sobre enseñar la mejor manera de suicidarse con un arma, que hacer con un viejo (Robert Duvall, robándose 10 minutos de película) que muere de hambre o un hombre que les roba no por que quiera sino porque lo necesita. Y aún mas poderosos son los segmentos donde el Padre recuerda la vida con su esposa (Charlize Theron) y sus reacciones ante el fin del mundo.

"The Road" es triste y desoladora, pero transciende sus tonos grises con poderosas parábolas sobre la fe, la amabilidad y la familia. Padre, hijo e espectadores comprenden con cada paso que el único objetivo de sobrevivir cuando no hay ninguna razón para hacerlo es, quizas, que aún en las condiciones más terribles la humanidad debe prevalecer. "Llevamos la llama", explica el padre, y la expresion de Mortensen demuestra que lo único honesto en esa frase es el intento de que su hijo no pierda la fe. Aún cuando su hijo, como cualquier otro, entiende más de lo que su padre desearía.

Ciertamente no es una película para todos.  Pero si el argumento llama tu atención no puedo más que recomendarla encarecidamente. Es un viaje visceral y duro, pero que bien vale la pena.

Las Acacias (2011)

Para los enamorados del cine argentino, Las Acacias es una razón más para mantener ese amor vivo.
¿Por qué?
Es como destapar un frasco de esencia de rosas e instantáneamente captar con un sólo sentido todo el significado de la flor...
¿Muy hippie?
No es la idea. Pero sí el concepto de simplificar el mensaje, de captar el trasfondo y despejar todo para que se vea sólo eso.
¿Y cuál es ese mensaje?
Para verlo bien, dispongan de 82 minutos de su tiempo libre, y se van a encontrar con 1500 kilómetros de ruta que une no sólo a Asunción del Paraguay con Buenos Aires, sino también a Jacinta con Rubén, junto con la pequeña Anahí.
Estos tres personajes representan lo que Giorgelli (creo) quiso decir que corre por las venas (las rutas) argentinas:

el hombre adulto, esa cara cansada y llena de dureza y de silencio,
lo blandito del cuerpo de un bebé, la ternura,
... y la elasticidad de la sonrisa de una mujer que es madre.

Lo que pasa cuando estas tres esencias se juntan en argentina, lo van a ver claramente en la película.

Y prepárense el mate antes de darle Play. :D

Hoa-cha (2012)

¿TAN insoportable puede llegar a ser aceptar nuestra identidad?

Eso pensaba mientras terminaba de ver este dramático thriller oriental basado en la novela "All she was worth", de Miyuki Miyabe, que quiero recomendarles.

Helpless es la historia de un hombre (Jang Mun-ho) en busca de su novia que desaparece días antes del casamiento. Descubre que conocía poco y nada del pasado de ella, y la búsqueda de alguna referencia hacia ella comienza a tramar un misterioso acertijo al rededor de una muerte y muchas mentiras.
Jang sospecha que el nombre que le dijo no es de ella realmente, y al investigar confirma que "robó" la identidad de otra joven. De todos modos sigue firme en su deseo de encontrarla, porque en cada paso que avanza en este laberinto de identidades falsas se convence más de que es a ella en su esencia a quien realmente ama, y quiere ayudarla a volver a su propio yo y dejar de escaparse...

Como siempre, el cine oriental viene más cargado de lo que aparenta, y esta historia no es la excepción ya que ahonda en las crisis más profundas de identidad, de amor, de amistad, y probablemente otras que se me escapan ahora del tintero.
Lo bueno es que, además de tener un gran nivel de filmación/dirección y unos actores de la puta madre, es una película que se puede digerir. ¿A que me refiero? A que no te deja esa turbación que tienden a generar las películas de aquel lado del mundo, sino que tiene un ritmo y una densidad más normal, de forma tal que te atrapa sin aburrirte, pero a su vez sin la necesidad de impresionarte por demás.

La verdad es que me gustó mucho. Al principio me pareció que la historia no iba a ser muy interesante, pero de a poco se vuelve tan enigmática que de la mitad en adelante te desesperás por saber todo.

Me parece que es una muy buena opción para casi cualquier momento que tengan ganas de ver una buena película, sin volarse demasiado.

Ah... como agregado: obtuvo muchos premios y nominaciones, de excelencia.

TRAILER

Click aqui para ver la película completa con subtítulos en castellano.

Stranger than Fiction (2006)

Puede pasar.
Puede pasar que más de una vez piense que mi vida no tiene nada de interesante y por ello ningún escritor la contaría.
Puede pasar también que precisamente por eso haya alguien que la este escribiendo.
Y puede pasar, sí, puede pasar, que yo me entere que soy el aburrido personaje de la historia que está siendo escrita, y, por ese bizarrísimo pequeño detalle, mi vida, y mi cabeza, den un giro 180°.

Lindo mareo post-sacudón se pega el protagonista de Más extraño que la Ficción, que le sucede puntualmente eso.

Harold Crick es un auditor que tiene toda su vida minuciosamente medida, como con la precisión de un reloj (Cepilla sus dientes exactamente 76 veces, cuenta los pasos exactos hacia la parada del colectivo que toma siempre exactamente a la misma hora ...). Hasta que de repente descubre que está siendo narrado cada momento de su vida, por una "voz en off". Tal susto se lleva, él, que no está acostumbrado a las sorpresas, que comienza a averiguar que está sucediendo, y termina replanteándose, entre otras cosas, cuál es el sentido de su vida.

La idea me encantó.
Y reconozco que está muy bien guionada, a pesar de que la película es un poco larga, es muy llevadera. Y eso está potenciado por un reparto muy bien elegido: Will Ferrel tiene una cara tan poco expresiva que no podría representar mejor al monótono auditor, quien gracias a su trabajo conoce a Ana Pascal, una joven panadera extrovertida y liberal, muy bellamente interpretada por Maggie Gyllenhaal. Y para poder meternos en la piel de un escritor, nos deleitamos con la admirable Emma Thompson, corporizando a Karen Eiffel, la narradora de la vida de Harold; más Dustin Hoffman, excelente, representando al profesor-escritor Jules Hilbert.

No quiero comentar mucho más, me parecen razones suficientes para recomendarles que la tengan muy en cuenta cuando quieran ver una película interesante y original, sin que se delire.

Enjoy!

Session 9 (2001)

Extraño a mi familia. ¿Por qué no vienen a visitarme, Doctor?
 
Gordon (Peter Mullan) se encuentra bajo presión al comienzo de "Session 9". Tiene problemas de pareja, un hijo recién nacido y una empresa de limpieza de asbesto al borde de la quiebra - tanto es así que su única esperanza de salvarla es ganar un contrato para sanitizar un hospital psiquiátrico de 130 años. Gordon gana el contrato prometiendo lo imposible: terminar el trabajo en una semana, lo que significa también un bono de 10,000 dólares para los 5 miembros de su equipo.

El hospital (Danvers State, recientemente derrumbado) es efectivamente el sexto protagonista de "Session 9", al punto que es difícil imaginar la película en otra ubicacion. Un edificio enorme, imponente ("con forma de murciélago"), derruído y vandalizado, pero con horripilantes mementos de su pasado, como baños de "hidroterapia", cocinas y carnicerías enormes con ganchos colgando del techo y habitaciones cubiertas de garabatos y fotos de antiguos pacientes . Eso sin contar un cementerio privado lleno de tumbas sin nombre.

El equipo de Gordon es, cuanto menos, peculiar. Mike (Stephen Gevedon) es un estudiante de leyes, cuasi intelectual, mientras que Phil (David Caruso) ahoga sus penas en marihuana y pelea constantemente con Hank (Josh Lucas), quien ha enamorado a su novia de toda la vida. Jeff (Brendan Sexton III), el sobrino de Gordon, es un adolescente de pocas luces con pánico a la oscuridad. La tensión de trabajar en un loquero con una historia inquietante desgasta poco a poco las relaciones de este grupo ecléctico, lo que se ve extrañamente reflejado en la revelación gradual de la historia de una paciente del hospital, a través de una serie de grabaciones encontradas por uno de los protagonistas.


Ya se lo que creés, pero no. La pelicula no es como la estas imaginando - de hecho es bastante diferente a lo que se vende como "terror" en estos dias. "Session 9" tiene personajes normales en una situación creíble; no trata sobre un grupo de adolescentes queriendo tener sexo en el loquero abandado de Villa Asesinato Serial, sino gente trabajadora, peleando por su subsistencia. El hospital es pasivamente aterrador, pero no es una casa embrujada. La gente entra y sale para hacer su trabajo, y siempre durante el dia. No hay historias de fantasmas ni de crímenes horribles; de hecho, el principal problema con el edificio es mantener a vándalos y gente sin hogar fuera del mismo.

"Session 9" es una película de bajo presupuesto, fimada en formato digital de 24 cuadros por segundo, con una atmósfera de tensión increíble dada no en menor parte por su ambientación. Sin sangre, explosiones, gritos ni sustos baratos Brad Anderson (director de El Maquinista) crea una de las historias de terror psicológico mas perturbadoras y efectivas que recuerde, la cual se ha convertido (merecidamente) en una de las películas de culto más exitosas de la última década.

Es lenta, cerebral y atmosférica. Requiere paciencia del espectador, sobre todo aquél acostumbrado al terror mainstream. Pero es creible. Todo lo que ocurre en "Session 9" podría ocurrir en el mundo real (algunas cosas realmente ocurrieron en Danvers State) , y eso es quizás lo más aterrador de todo.

The Raid: Redemption (2011)

Apretar un gatillo es como pedir comida a domicilio.

"The Raid: Redemption" (originalmente Serbuan maut) es una película Indonesa de un millón de dólares, con un guión minimalista y protagonizada por completos desconocidos. Al tiempo de estrenarse en su país de origen fue comprada por Sony Pictures Classic y redistribuída en todo el mundo, donde cosechó un número de galardones y recuperó varias veces su costo original en pocos meses.

La razon es sencilla. "The Raid: Redemption" es la película de acción más tensa, frenética e entretenida que haya visto en mucho tiempo.

"The Raid: Redemption" comienza con un grupo SWAT Indonés dirigiendóse a un edificio para arrestar a Tama (Ray Sahetapy), un violento capo mafia. Instalado en el piso 15, Tama es amo y señor de un grupo de delincuentes armados, drogadictos, e incluso de gente decente. Entre los policías se encuentra Rama (Iko Uwais), un novato que sólo quiere volver a casa para ver nacer a su hijo.

El edificio esta lleno de cámaras. Los polícias son largamente superados en número. Comienzan a ascender piso por piso y, eventualmente, se encuentran descubiertos y atrapados en una enorme trampa sin salida, lo que desemboca en unos 40 minutos de las escenas de tiroteos mas crudas y viscerales que haya visto en años.

Finalmente se ven forzados a abandonar sus armas. Y de repente nos encontramos con una película de artes marciales brutalmente coreografiada, con un grupo de actores experimentados en silat regalando escenas increiblemente realistas, ultraveloces y violentas. Hay unas 65 muertes en "The Raid: Redemption" involucrando armas, cuchillos, puñós, machetes, sillas, barandas, escaleras, puertas y hasta tubos fluorescentes. La acción, seguida en tomas continuas, nos llevas desde pozos de escalera, ascensores, pasillos a departamentos, a través de las ventanas y nuevamente al edificio. La dirección de Gareth Evans intercala tomas abiertas con planos cortos en escenas de combate mano a mano, y resulta increíblemente atrapante.

Es 100% acción concentrada. "The Raid: Redemption" toma la fórmula de Bruce Willis en Duro de Matar y coloca a un grupo de hombres atrapados en un lugar cerrado, imposiblemente superados en número y sin saber que los espera a la vuelta de la esquina. Luego la destila, la hierve y la eleva a la enésima potencia. Es sensacional.

Mucho del estilo y las escenas en "The Raid: Redemption" serán imitadas en los años venideros (ya se habla de un remake Hollywoodense). Es hiperviolenta y evidentemente no será del agrado de todos, pero si sos fanático del cine de acción te la recomiendo sin miramientos. Últimamente es raro encontrar películas del género así de entretenidas.

In Darkness (2011)

Bien, para empezar, es muy raro que yo vea películas bélicas. Por el simple hecho que son deprimentes, y ésta no es la excepción.

In darkness es un film Polaco, basado en un libro de una sobreviviente judía en Polonia, que cuenta la historia de un hombre, que trabajando en las alcantarillas de ese país, ayuda a escapar y esconder un grupo de Judíos que escapan de un gueto.

Este tipo de películas, habitualmente, poco agregan sobre un conflicto tan conocido por todos, y tiene como única finalidad, mostrarnos los aspectos humanos que saca a relucir la guerra. Pues bien, de eso se trata justamente ésta película.

Socha, quién es el que trabaja en las alcantarillas, empieza a ayudarlos por el simple hecho que entre los judíos hay uno con dinero. Y el trato comienza a ser principalmente comercial.

En esta primera instancia, empezamos a ver lo malo. Los prejuicios, el interés económico, la desesperación, el miedo... Pero a medida que avanza la historia, nos muestra como los vínculos van cambiando y nos deja el mensaje esperanzador que uno espera de un film de ésta índole.

Ahora bien ¿Qué es lo que tiene In Darkness que la diferencia de otras que yo vi? Pues que no es americana. Si, se que esta trillado bardear el cine yankee, pero en lo que respecta a este tipo de films, debo admitir que los europeos lo hacen mejor. No quiero hacer spoilers, pero hay una escena en particular, muy fuerte y desgarradora, que en lugar de ser filmada con pelos y detalles, de tener música de fondo y una explicación que nos haga sentir empatía, es mostrada de una manera vacía y cruda que nos deja pensando, dolidos y odiando, tal y como se debe sentir. In Darkness está cargada de ese tipo de escenas y te deja deprimido por horas, incluso días.

A uno lo hace pensar si no será que soy masoquista y por eso la recomiendo. No sé, debe haber un poco de eso, porque siendo que no veo bélicas, cuando lo hago, agarro las más desgarradoras.

Si les va el género y la peli cruda. Véanla. Es muy muy buena.

La educación prohibida (2012)

Partiendo de la base de que lo que me hace pensar me gusta, recomiendo ver este documental a todo aquel que tenga la posibilidad.
Ante todo me sorprendió gratamente el hecho de que no sea (al menos para mí) tan tendenciosa como lo sugiere el título.
Yo imaginaba encontrarme con un ataque sin ton ni son al sistema educativo, fundamentado con los argumentos baratos y más que trillados, típicos, que más de uno de nosotros ha discutido en alguna sobremesa con amigos:
"limita al ser humano",
"es dictatorial",
"no enseña",
"no tiene contenido relevante a la situación de la sociedad actual",
 etc...
PERO, si bien todas estas ideas aparecen 'así como así', también, y mayormente, se focaliza en presentar muchas de las corrientes alternativas actuales.
Dentro de las cosas positivas que contiene es valorable destactar la claridad del discurso tanto del narrador como de los entrevistados, de la mano con una estructura de ideas muy organizada y una presentación audiovisual excelente, creativa y didáctica (¡menos mal!), el mensaje queda más que claro y hasta suena convincente (¿dejamos las opiniones personales al margen?).
CRITICAR, analizar, cuestionar, indagar, meterse dentro del sistema para buscar las fallas me parece necesario. Pero nunca debemos olvidar que es un paso para ir avanzando. Luego de eso queda todo un camino por recorrer. El otro paso es buscar alternativas, cosa que por suerte este documental nos ofrece y no con escueta información.
NO es de mi interés opinar en profundidad sobre las cuestiones que presenta, porque prefiero que cada uno vea la peli y construya sus conclusiones.
SÍ quiero dejar en claro que es demasiado idealista decir que con Amor todo va a salir bien...
PERO también quiero dejar en claro de que soy más partidaria de que para progresar es efectivo plantear objetivos que apunten a cambios radicales ya que provocan movimiento.
En todo proceso de crecimiento (sobre todo pongo por ejemplo el del individuo), se pasa por la etapa de reacción (suele asociarse a la adolescencia), así como luego un proceso más crítico en el que se pulen todas las cosas dichas, vividas, exageradas o ignoradas, con el objetivo de conciliar certezas y construir pilares más seguros.
Considero que le faltó analizar lo bueno del sistema actual, pero siendo que dura 2hs y media, agregarle más cosas (que no son parte del objetivo central) hubiese saturado bastante. Sin embargo no defiendo el hecho de que termina siendo bastante agresivo hacia los docentes de hoy, cosa que casualmente contradice lo que intenta fomentar: amor, respeto, fraternidad... No creo que deban ser valores exclusivos para los educandos.
FALTAN muchos aspectos a tener en cuenta cuando hablamos de un tema tan transversal para la sociedad.
SIN EMBARGO los aspectos que encara, los argumenta bien y claramente.
Por todo ello RECOMIENDO ver este documental, estar (siempre) abiertos a la crítica y la novedad, y a su vez, construir la opinión personal y predisponerse al debate.


¡Bienvenidos los comentarios de quienes lo vean!

Oldboy (2003)

Sea una roca o un grano de arena, ambas se hunden por igual en el agua.

Dae-su Oh (Min-sik Choi), un empresario totalmente ordinario, es arrestado tras emborracharse en un bar. Su mejor amigo paga la fianza y, mientras caminan por la calle, Dae-su desaparece.

Se encuentra a si mismo encerrado en una habitación de hotel, sin ventanas y con un televisor. Alguien lo alimenta y, de vez en cuando, lo desmaya con gas solo para poder curarlo y asearlo. Enloquece lentamente; no solo no sabe quien lo encerró, ni porque, sino que el televisor es su única ventana a la realidad. Es su calendario, su escuela, su casa, su iglesia, su único amigo y (él mismo explica) hasta su amante.

La televisión le informa que es acusado por la muerte de su esposa.

Y luego de 15 años es liberado. Viejo, un poco loco, un poco sabio, mucho mas fuerte y, por sobre todo, furioso, encuentra que tiene 5 días para descubrir quien lo encerró. Y por que.

Presentada así, "Oldboy" puede sonar como un remake Coreano de El juego del miedo.  Nada mas alejado de la realidad - "Oldboy" es un thriller psicológico oscurísimo y de una calidad de producción realmente superlativa. Chang-wook Park dirige con la diligencia de Hitchcock, la estética de Tarantino y la surrealidad de Cronenberg, contando la mejor historia de venganza que haya visto en mucho tiempo.

"Oldboy" no es una película para todos. Es larga, llena de escenas surrealistas y sumamente violenta - no al estilo manga de, por ejemplo, Tarantino, sino que tiene una calidad visceral que puede llegara incomodar. El argumento, basado en un comic japonés, es a veces implausible. Pero esta dirigida con tanto aplomo, tan bien actuada y con ritmo tan sostenido que resulta absorbente. Aun así resulta difícil de seguir, un poco por la locura (¿o no?) de Dae-su y otro poco porque muchas escenas aparentemente incoherentes no toman relevancia hasta el final de la película.

Y sí, vale la pena seguirla hasta el último minuto. "Oldboy" tiene uno de los mejores finales se hayan escrito nunca. La culminación de la búsqueda de Dae-su te va a perseguir por mucho tiempo.

Realmente no puede decirse más sobre la historia sin arruinarla. Si puedo decir que "Oldboy" analiza la temática de la venganza y la deshumanización desde ángulos poco usuales y que alterna imagenes hermosas (Dae-Su emborrachándose en el placer de un cigarrillo luego de liberarse u una escena de lucha increíble en un callejón) con situaciones tensas y realmente perturbantes. Y que si te interesa el cine pensante y menos mainstream la vas a disfrutar muchísimo.

El perro Amarillo (2005)

Titulo Original: Die Hoehle des gelben Hundes (The Cave of the Yellow Dog)

Año: 2005

Director: Byambasuren Dayaa

De origen alemán, esta película muestra de una forma muy sencilla la vida cotidiana de una familia mongol nómade. 

La película se enfoca en la familia Batchuluun de cinco integrantes, los padres y tres hijos (unos "chinitos" re tiernos),  parece un documental sobre personas reales pero son actores.

Nansal, la hija mayor, sale a las montañas a juntar leña y encuentra un perro en una cueva. 

Quiere quedarse con el perro pero el padre no la deja y desde aquí se empiezan a ver una serie de costumbres, historias, supersticiones, etc que se manejan día a día en la vida de estas personas.

Sin sobre saltos ni nada pero de alguna manera te vas metiendo en sus vidas. A mi me encanto ver las costumbres totalmente diferentes a las nuestras y sobre todo las escenas en que se trasladan y como desarman la estructura de la casa.

Micmacs (2009)

Jean-Pierre Jeunet es, a mi ignorante criterio, el representante cinematográfico de l’art pour l’art.

¿A qué me refiero? 
No hay intención explícita, no hay mensaje puntual o leitmotif en sus historias, sin embargo están repletas de arte, estética, belleza, bizarría (en su significado más puro), y demás ingredientes batidos y sacudidos para formar la ya 'marca registrada' Jean-Pierre Jeunet.

Es, tal vez, una película más del director, ya que utiliza la misma fórmula que aplica a todos sus films: Esquema de introducción semi-narrada tipo cuadros, personajes pintorescos interpretados por excelentes actores (que ya disfrutamos en otras oportunidades), y estética, trama, guión y demás definiendo el contundente género de la distopía retro-futurista (que podemos apreciar explícitamente en la escenografía, por ejemplo)

Micmacs es una comedia sobre el frío negocio de las armas, enredado con el mundo de un grupo de traperos que poco les interesa el comercio pero mucho disfrutan de la inventiva, la imaginación y la actuación. ¿Producto? Una historia de mafia frustrada de la forma más original y rústica que sólo a Jeunet se le ocurre hacer.

Quien ya conoce la obra de Jean-Pierre (Amélie, Delicatessen, etc), se sentirá a gusto de deleitarse con una pieza más de su estilo, y quien no ha tenido el gusto de descubrirlo, esta es una buena oportunidad para ir aprendiéndolo (toma su tiempo entender su léxico).

Locura francesa que vale la pena :)

voilà!

Mar adentro (2004)

Mar Adentro es una película que habla de un tema que vale la pena meditar más de una vez en la vida, por la variedad de puntos de vista por los que se puede analizar.

Mar Adentro habla directa y claramente sobre la eutanasia.

Si bien toma una postura definida ya que Ramón Sampedro (personaje principal) justifica muy detalladamente su decisión de morir, en la riqueza de los diálogos se encuentran muchas de las cuestiones a reflexionar respecto al “derecho” de morir. Mérito de un guión muy bien logrado por el propio director, Alejandro Amenábar, junto con Mateo Gil.

Mar Adentro quiere mostrarnos que el tema de la eutanasia no es sobre la vida y la muerte de las personas, sino que es un tema por cada vida en debate, que debe escucharse cada voz, cada alma que se expresa, cada vida que no quiere ser embolsada junto con todas las otras por una decisión “popular”.

Sentimientos, valores, historias, verdades y apariencias, complicaciones, alegrías, una historia a la que no le falta nada.

Ni les cuento la calidad de los actores…

Una vez más, el cine español no me defraudó. 

Cuando puedan veanla, vale la pena.

A ver.. quiero morir porque para mi la vida en este estado, 

la vida así, no es digna.

Yo entiendo que otros tetraplejicos puedan sentirse ofendidos

cuando yo digo que la vida asi no es digna

Pero es que... yo no juzgo a nadie.

Quien soy yo para juzgar a los que quieren vivir?

The Raven (2012)

Transcurrida una hora de película comencé a sentir una sensación de disconformismo que todavía sigue dando vueltas en mi cabeza y voy a intentar justificar o invalidar, a partir de un análisis lo más objetivo posible.

Antes que ceda lugar a mi (típico) perfil pesimista, quiero aclararles que me gustó la película, y de hecho, considero que vale la pena ver, es buena, pero hay que tener en cuenta algunos puntos que comentaré a continuación.

Es más que nada un Triller Americano, con todos los chiches que suele incluir esta etiqueta:
Buen cast, mucha tensión en la trama, intriga, una explosión garantizada, sangre e imágenes impresionantes, frases conmovedoras y un final que cierra el círculo perfectamente.

El problema que suele generar es para todos aquellos que esperaban encontrar la magnificencia de Poe, en la pantalla grande.
Esto NO PASA. Sólo amaga.
¿Por qué digo esto? Porque al principio el guión tiene un poco de "estilo Poe", esa extravagancia y agudeza lograda por el gran ingenio del escritor (sin necesitarse de vocabulario complejo), pero a medida que va desplegándose la trama este ingrediente se pierde. Lástima, porque venía bien.

Ya que menciono la trama, destaco que es muy atrapante, dado que se nutre de las historias más sombrías y mórbidas del escritor (que le dio la excelencia). Pero simplemente se toman las ideas para enriquecer el eje principal de la historia, sin poner demasiado cuidado en desarrollarlas al estilo de los cuentos. El hilo consiste en descubrir a un asesino que se basa en los cuentos de Edgar Allan para replicar los crímenes de forma literal. Acá tampoco hay mérito, porque ¿quién no pensó alguna vez en realizar algún plan robado de algún libro o película con  una idea copada (como robar un banco disfrazado de payaso y luego escaparse con los rehenes.. :P )? A quién responda negativamente le sugiero que le ceda un poco más de tiempo a su imaginación.

En lo que al reparto respecta, debo decir que son todos actores de alto nivel, y si bien Cusack no me convenció demasiado en el papel de E.A.Poe, denota que es un gran profesional. La dama, Emily Hamilton, es hermosa, y lo sabe demostrar sin "hacer aguas" en otros aspectos, así que mi aplauso a la actuación de Alice Eve. En cuanto a Luke Evans, haciendo de Detective Fields, denota que cumple con lo pedido, lástima que le solicitan un rol de "típico detective más astuto de todos y cuyo ingenio es fundamental para resolver el caso"... cumpliendo en poner la cara de "tengo la idea que nos llevará al éxito", y "claro Johnny, yo lo sabía de antemano" (usen su imaginación o vean cualquier película americana con algún enigma).
En fin. Los actores en general son todos muy buenos. La insuficiencia está más en el guión.

También es destacable la escenografía y ambientación, muy valorable ya que te traslada a la época sin errarle al más mínimo detalle. Eso es algo bueno de las películas de Hollywood. Tienen toda la financiación para lograr el escenario que quieran y no escatiman con nada, por ello obtienen muy buenos resultados.
Y ni decir que el tono sombrío, sangriento y criminal se mantiene perfecto en toda la película.

En síntesis. Vayan al cine, o si ya la sacaron del cine, compren maní japonés o pororó e instálense en el sillón del living de alguien con un buen televisor y home teather porque van a ver una buena peli, pero no esperen encontrar en 110minutos de película el esplendor de la literatura de Edgar Allan Poe, porque no es más que un atrapante thriller yankee del montón.

A Dangerous Method (2011)

Un método peligroso.

Director: David Cronenberg.

Basada en la obra de John Kerr A Most Dangerous Method, cuenta la historia y la relación entre estos tres personajes que marcaron la psicología.
El cimiento de la película y de la obra en la cual se basa, es la correspondencia que se establece entre Freud y Jung con el fin, en un principio, de pedir opinión profesional sobre el caso de Sabina Spielrein (Keira Knightley) y luego, porque Jung parece ser el indicado para seguir el movimiento que inicia el primero.
La trama está presentada de una manera que no aburre y a pesar de que los diálogos son demasiado cargados, en el sentido que tratan de plasmar demasiada información para aquellos que no sepan ni quien era Freud, es llevadera.
Debido a que no soy una sabedora de psicología, no se si comete errores en ese terreno o si es vaga, pero si puedo admitir que es bastante vuela mente a su manera.
Pero, en resumen y para serles sinceros, hacía tiempo que una peli no me atrapaba de esta manera y hasta me dieron ganas de comentarla. Las actuaciones, sobre todo la de Viggo Mortensen como Freud, son admirables y sin ser una crítica de cine, debo admitir que el guión está bien logrado para toda la info que maneja.
Amerita ser vista cualquier día de la semana y en cualquier compañía, salvo quizá tu amigo psicólogo.

Les dejo el trailer:

Revolver (2005)

Hay algo de tí mismo que no conoces. Algo que negarás que siquiera exista hasta que sea muy tarde para remediarlo. Es la única razón por la que te levantas en la mañana, la única razón por la que sufres a tu jefe de mierda, la sangre, el sudor y las lágrimas.

Debo reconocer que la primera vez que vi "Revolver" no me gustó. No fui el único; hasta el día de hoy es el único gran fracaso comercial de Guy Ritchie y fue bastardeada en su momento por cuanto crítico desease hacerse oír. Fue un fracaso tan rotundo, de hecho, que Ritchie pasó tres años sin poder dirigir de nuevo hasta que alguien decidió darle una chance con "Rocknrolla".

El punto es que volví a verla hace poco y sencillamente no puedo entender que me pasó por la cabeza en su momento. Aquí tampoco fuí el único, ya que aparentemente "Revolver" se ha convertido en una película de culto en los últimos años. Es extraño. Luego de "Snatch" o "Juegos, trampas y dos armas humeantes", quizás pasó que todos esperaban un poco más de lo mismo y si bien la temática de gángsters está presente se trata de una película mucho más profunda y diferente.

O quizás alguna obras sean como los buenos vinos: necesitan respirar para ser apreciados por lo que son.

El argumento de "Revolver" gira alrededor de una típica trama de gángsters de Guy Ritchie. Jake Green (Jason Statham) es un ex-convicto que, luego de pasar siete años en prisión decide poner en marcha un complejo plan de venganza en contra de Macha (Ray Liotta), el mafioso responsable de la muerte de su cuñada.

Jake ha aprovechado sus años en la cárcel, aprendiendo todo sobre el fino arte de la estafa y el juego. Gana una pequeña fortuna con sus nuevas habilidades, y, cuando finalmente confronta a Macha termina con precio por su cabeza, lo que lo lleva a ser rescatado de un intento de asesinato por dos hombres, Avi (André Benjamin) y Zach (Vincent Pastore), quienes de paso le informan que Jake tiene una extraña enfermedad que lo matará en menos de tres días. Para salvarse deberá hacer todo lo que Avi y Zach digan... y entregarles todo su dinero en el proceso.

La primera mitad de la película tiene entonces un formato similar a "Snatch", entretenido y con ritmo, con Jake intentando adivinar la manera en la que (cree) lo están estafando mientras conoce a pintorescos personajes del submundo del crimen. Y de a poco, dejando pistas sueltas, se va convirtiendo en una película de contemplación sobre la vida, la muerte y los juegos que la mente juega con nosotros mismos. Las escenas van y vuelven, dibujando nuevos sentidos a situaciones ya establecidas, y la conclusión llega de manera casi Shakspereana; no entendemos del todo el camino que estamos tomando hasta que llegamos al final del mismo.

Ahondar más en el argumento sin arruinar la película es imposible. Pero sepan que tiene la calidad fílmica de cualquier obra de Ritchie y enormes actuaciones; incluso Statham demuestra que es mucho más que un muñeco para películas baratas de acción. Hay una escena brillante donde Jake se confronta a sí mismo en un ascensor vidriado, parado en el piso 13. Es casi un unipersonal de 10 minutos, totalmente atrapante, que marca un momento pivotal en la película.

La trama (y la conclusión) tiene múltiples interpretaciones. Algunos la considerarán profunda y otros caótica y pretenciosa pero, para bien o para mal, es una película que prometo los dejara pensando. Recomendadísima.

Do-ga-ni (2011)

a.k.a.: Silenced

Arranca avisándote que está basada en hechos reales, para asegurar que a partir de ese momento empieces a llorar a moco suelto.

Hace tiempo que no veía una película de este estilo, tan cruda como bien desarrollada, donde las personalidades, las actitudes y los mensajes están muy claros, la historia está muy bien contada, no se le escapa ningún aspecto clave y además los actores son excelentes, interpretan muy bien el papel... y eso que incluyen niños sordomudos.

La historia, en breves palabras para que se hagan una idea:
En una escuela estatal para sordomudos de Gwangju, un profesor de arte comienza a descubrir una oscura realidad de hechos de violencia y maltrato excesivo sobre los niños. A medida que va levantando la alfombra va encontrando mugre de poder, odio, perversión, corrupción... etc.

Hechos como éstos lamentablemente sobran en la realidad más que en la ficción, pero me parece muy valorable ver el excelente trabajo que realiza el director para mostrar esto de lo que no nos podemos hacer los boludos.
Te atrapa, hasta el último momento que cuando creés que no hay más nada que ver ni hacer, surge un nuevo escenario en el que el espectador vuelve a intentar respirar.

Vale la pena mirarla, pero prepárense para llorar un largo y tendido, y destapar sentimientos de odio, impotencia, tristeza, esperanza y muchas reflexiones más que corren según la mentalidad de cada uno.

Te parte el alma.

http://www.silenced2011.com/

The artist (2011)

¡Qué embole!

Otra película no lograda.
Cuenta la historia de un viejo actor exitoso de cine mudo y su comed-drama de amor, fama y backstage sobre el romance que tiene con una joven actriz que comienza a triunfar en el cine hablado cuando éste comienza a destronar del éxito al cine mudo.

Tiene cosas buenas: La actriz es realmente encantadora, tiene una cara muy fotogénica y una expresividad notable. El protagonista también tiene su crédito de buen actor.
El hecho de estar en blanco y negro además le da linda luz a la imagen, sin embargo (desde mi ignorancia) me dió la sensación de que quisieron lograr una estética de época (1930) pero no les salió... La imagen brilla como metal de la nueva tecnología en vez de tener la opacidad del celuloide de antaño.
La música no es mala, a diferencia de los otros aspectos, este sí logra situarte en el Hollywood de los '30: Bastante aburrido, por cierto.

Le faltó principalmente, ritmo a la trama. Al ser muda, las escenas tendrían que subir y bajar la tensión (o intensidad de los hechos, por expresar de alguna forma) mucho más en cada escena, y simultáneamente, dado que la historia es tan trillada, deberían haber usado alguna forma más original para contarla (por ejemplo, detalles sorpresivos, minihistorias entrelazadas, etc.)

En conclusión, les sugiero que si les interesa ver algo de cine mudo, remitanse a las de aquella época, que están hechas por "expertos" de su propio estilo.

Muyeong geom (2005)

a.k.a.: La espada sin sombra

Si alguna vez en tu adolescencia prendiste el tele a las 3 de la tarde de un aburrido día de lluvia sin planes y te fumaste "Jamás besada" o "10 cosas que odio de tí" (prometo no pedir la opinión respecto a ellas) seguramente me comprenderás cuando digo que ésta es una peli que hubieses visto en la misma situación ... si hubieses nacido en Corea.
La historia trata sobre Yeon So-ha, una increible guerrera que es enviada en busca de Dae Jung-hyun, (único heredero del trono que huyó del reino muchos años atrás) para convencerlo de que regrese... y para protegerlo de los malos.
Los malos: Un general tirano que tiene un ejército asesino, y lógicamente una hermosa guerrera asesina que pelea a su lado, y tienen como objetivo matar al príncipe y a todo el que se les cruce por el camino y los mire feo.
... y por si no se te ocurrió todavía, nuestra pareja de protagonistas son los mejores peleadores del continente.

La historia es floja... flojísima, y está flojísimamente aflojada. Estem... Quiero decir... eso.

Para ver espadas, artes marciales y orientales hermosas hay películas mucho más valiosas de un director que no nombraré para no hacer publicidad encubierta.
Aunque parezca violentamente lo contrario, no quiero decir que es malísima, pero realmente no es más que un pasatiempo para niños sin nada que hacer.

He dicho.

The cell (2000)

- ¡Mientes! Perra, zorra... ¡puta!
- Suenas como tu padre.
- ¿Mi padre? NO ERA NADA. ¡NO ES NADA!

Es complicado presentar correctamente a una peícula como "The cell". Debería, bajo toda métrica, ser un desastre; es la primera gran película de un director de videoclips (Tarsem Singh) con una protagonista (Jennifer López) poco reconocida por su talento artístico y un guión que, en pleno 2000, evocaba tanto al "El silencio de los inocentes" como a "Matrix". El resultado demuestra que en este tipo de experimentos no hay medias tintas. Es sencillamente excelente.

Carl Stargher (Vincent D’Onofrio, comíendose la pantalla) es un asesino serial que encierra a jóvenes en una cámara para luego llenarla lentamente de agua y ahogarlas. El FBI, bajo el mando del agente Novak (Vince Vaughn) se encuentra a punto de apresarlo y liberar a su última victima cuando Stargher cae en coma, producto de virus que lo deja en un raro estado de esquizofrenia. Permanente, explica un doctor.

Al mismo tiempo, tenemos a a Catherine Deane (J-Lo) , una psicóloga infantil reclutada en un proyecto experimental que permite a dos personas compartir, literalmente, sus mentes. Nos enteramos que un poderoso billonario tiene a su hijo en estado catatónico y Catherine trabaja con el mismo, visitándolo dentro su propia mente e intentando convencerlo de volver al mundo real. Es entonces cuando el FBI sugiere usar la misma tecnología para entrar a la mente de Stargher y conseguir la ubicación de la victima antes de que sea tarde.

Este argumento, trillado si se quiere, es utilizado efectivamente para establecer una historia de persecución que ya de por si tiene un muy buen ritmo. La película, sin embargo, estalla cuando Catherine ingresa por primera vez a la mente del asesino.

Es muy común encontrar películas con representaciones poco creíbles (y hasta aburridas) del subconsciente. "The Cell", al contrario, nos regala una mundo con una fotografía increíble donde la lógica, la gravedad y hasta la continuidad son subjetivas. Es la mente fracturada de un hombre fracturado, donde convive un asesino serial que se ve a si mismo como un dios y como un niño abusado aferrándose a sus últimos vestigios de inocencia. La manera en la que el director nos muestra a Catherine hundíéndose de a poco en este mundo para intentar reconstruír la historia de Stargher a partir de imágenes aparentemente inconexas, bizarras y hasta hermosas resulta muy poco usual. Es atrapante.

La película tiene tambíén subtonos filosóficos interesantes. Stargher no es un villano en blanco y negro; es un hombre a quien tanto la naturaleza como sus propios padres le han fallado y con quien, llega a entender Catherine, la psicología encuentra limitaciones. Novak se encuentra frustrado de similar manera, uniéndose al FBI luego de encontrar que su trabajo como fiscal no siempre garantizaba justicia. También vemos las diferentes maneras en la que los protagonistas recurren a Dios; Stargher entiende que un evento de su infancia lo ha acercado a su creador y termina igualando sufrimiento con su propia salvación. Su padre justifica la crueldad a su propio hijo con religión. Y Catherine, intentando salvar tanto al asesino como al niño millonario, se visualiza repetidamente a sí misma de manera casi virginal.

La fotografía de "The cell" destaca, pero quedarse sólo con ella sería injusto. Es un buen thriller de misterio, una respetable película de ciencia ficción y, sobre eso, un gran drama psicológico. El final nos lleva a un climax que combina de manera sublime tres historias en una única secuencia; y aún con algunos cabos sueltos (y ganas de conocer más a fondo a sus personajes) resulta absorbente y deja mucho que pensar una vez terminada. No hay mayor horror que el que existe en la mente de cada hombre.

Recomendadísima.

On the beach (1959)

Estamos condenados, sabes. Todos nosotros, tontos, borrachos y patéticos. Condenados por el mismo aire que vamos a respirar.

Si "On the beach" resulta hoy una película extraña no puedo imaginar como puede haber sido recibida alla por 1960, en plena guerra fría. Es una adaptación de un conocido libro de Nevil Shute que trata sobre la humanidad aprendiendo, en sus ultimas horas, a aceptar con gracia el fin de todo lo que conocen.

El capitán Dwight Towers (Gregory Peck) emerge en su submarino sobre el final de la tercera guerra mundial. Prácticamente nadie sobrevive; el hemisferio Norte se encuentra cubierto de ceniza radioactiva asique se dirigen a Australia, el ultimo contiente habitable del planeta.

Pero es cuestión de tiempo. El viento arrastra la radioactividad y tarde o temprano (en meses) Australia correrá el mismo destino que el resto del mundo. Allí la vida sigue con relativa normalidad -  la gente trabaja, va a la playa, cría a sus hijos, se emborracha y se enamora, conscientes de que el final se acerca inexorablemente. Dwight conoce a Moira (la eterna Ava Gardner), una mujer soltera, alcohólica y deprimida por el destino que le espera. Dwight disfruta de su companía pero no puede borrar el recuerdo de su familia desaparecida en casa. Cuando llama a Moira, por error, con el nombre de su ex-mujer ella no se molesta; entiende que ser tratada como "esposa" es mejor de lo que ella misma se ha tratado en su vida, cuando aún tenía tiempo para hacerlo.

La película es muy fuerte por este mismo motivo. No vemos la guerra, sólo su resultado. Aún con una subtrama sobre la posibilidad de que el polo Norte siga siendo habitable y un misterioso mensaje en código Morse proveniente de San Diego, la historia se centra en los últimos dias de vida de un grupo de gente esperando un final feliz que murió con la caída de la primer bomba.

"On the beach" es una pelicula en blanco y negro filmada en aspecto 4:3, con tonos dramáticos típicos del cine de la eṕoca y una duración de mas de dos horas. La fotografía es hermosa, tiene fuertes actuaciones (incluso para los '60) y cuenta con un guión de primer nivel que no ha envejecido ni perdido fuerza en medio siglo.

Es triste y sombría. Y absolutamente recomendable.

Byousoku 5 senchimeetoru (5 Centimeters per Second) (2007)

Dirigida por Makoto ShinKai, pelicula de anime (animación japonesa), para mi excelentes gráficos, muy buena.Tiene como subtitulo "una colección de historias sobre la distancia." , si te peleaste con tú novio/a o estas muy susceptible no la mires.Si bien se presenta como na sola película, son tres mini-historias : Extracto de Sakura , Cosmonauta, y 5 Centímetros por Segundo .  En si trata sobre el tiempo, del espacio, de la gente, y del amor. El título 5 centímetros por segundo viene de la velocidad a la cual los pétalos de Sakura caen del árbol, los pétalos son una representación metafórica de los seres humanos, refiriéndose de la lentitud de la vida y de cómo aveces estamos tan cerca de alguien pero lentamente nos vamos alejando y tomamos caminos diferentes. No tiene grandes saltos ni nada, las historias son muy simples pero no se... tienen esa sutileza de dejarte ver en cuanto a todos los sentimientos que se te cruzan por la mente cuando te estas alejando de alguien. También hay muchas frases que tal vez les queden en la cabeza como a mi. Sentí mucha empatía con Cosmonauta. Capaz que que justo me llego porque la verdad que me sentía un poco abandonada esa semana T_T (jajaja). 

La piel que habito (2011)

Es admirable ver la habilidad que tiene Almodóvar para traducir a película las ideas que nacen en su cabeza.
Pero la pregunta que siempre me queda en el tintero es,

¿Qué carajo hay dentro de Almodóvar para engendrar semejantes ideas?

La retorcida historia me recuerda a los dramas orientales, esos que te dejan un sabor amargo que se mantiene intacto en alguna parte de tu memoria y cada vez que viene a tu mente te vuelve ese malestar... nauseabundo.

Antonio Banderas es un cirujano plástico obsesionado con la creación de una piel transgénica más resistente, a raiz de un accidente de autos donde su mujer se quema casi por completo y luego de un tiempo de agonía y recuperación lenta pero positiva fallece repentinamente, dejando sin madre a su pequeña hija que acarriaba transtornos en sus relaciones sociales...

... y con eso arranca la historia, porque la peor parte no es esa, sino lo que comienza a gestarse dentro del  padre (Dr. Ledgard)

¿Por qué recomendarla?
El cine español es, a mi gusto, excelente. Tiene un nivel de realismo que te hace sentir que cualquiera sea la historia, puede ser una historia tuya.
Esto probablemente se deba a la calidad de los actores, en este caso el fuerte aplauso es para, además de Antonio Banderas, la preciosa Elena Anaya en el papel de Vera, Marisa Paredes demostrando lo que es una madre (Marilia), Jan Cornet mostrando la inexperiencia adolescente de Vicente y Roberto Álamo como el típico hijo menor, Zeca, entre demás actores que bien acompañan este gran elenco.
Además de eso... ¿vieron la calidad de imagen que tiene esta película?
Miren el trailer (recomiendo el más corto) y corroboren:

http://www.lapielquehabito.com/clips.php

De ese video podrán notar además que la BSO no es para nada despreciable, sino todo lo contrario: es muy buena, cuadra perfecto con los niveles de tensión de las escenas y con el carácter general de la película.

¿Qué más decir?
Elenco, fotografía, música, dirección y trama son muy buenas razones para no perdérsela. Excepto que tengan un rechazo particular por los dramas, en cuyo caso comprendo y acepto que no siempre lo bueno está hecho para uno... sobre todo si de arte se trata: si no es para vos, no es para vos

Veanla y díganme si no es recomendadísima...

Pina (2011)

Yo nunca tuve feeling con los documentales en general, pero en mi opinión este es muy digno de destacar.

"Pina" es un homenaje a la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, fundadora de la compañía de danza Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.
El esquema es sencillo: Cada uno de los integrantes de la compañía va contando la impresión personal que dejó Pina en la vida de cada uno, las enseñanzas tanto profesionales como humanas(1), y luego muestran alguna obra de cada alumno, preparada por ella.
Lo que impacta de este video es la calidad artística que tiene (El cine es un arte... el 7mo, de hecho). Está hecho en 3D, rodado en escenarios urbanos y naturales de Wuppertal (ciudad alemana donde se encuentra la academia) con una belleza inmensa, que junto con el impecable vestuario de los bailarines se logran unas imagenes muy coloridas y atrayentes... Eso combinado con unos bailarines de un nivel excepcional y unas obras tan originales como grandiosas, dan como resultado un paradigma de la danza contemporánea.
La expresividad corporal, visual y musical es incuestionable. Y eso, grabado y editado, realmente demuestra una articulación perfecta de todas las artes actuales.

En fin... un gran documental para los curiosos del arte y los enamorados del cuerpo humano...

Untitled (2009)

El arte siempre tiene un frente (la obra)... y un fondo. Y realmente he visto pocas películas que lo demuestren tan bien como ésta.
Untitled es la historia de dos hermanos sumergidos en el mundo del arte contemporáneo: Josh es un pintor de cuadros que enfoca su trabajo hacia lo rentable: es un artista, con ambiciones de artista pero con mentalidad de comerciante. En cambio Adrian es el músico-compositor bohemio, fuertemente enemistado con la sociedad que expresa su rebelión haciendo lo que es hoy música contemporánea: una combinación minuciosa de diferentes sonidos tales como golpes sobre la tapa de un piano, gritos o gemidos de una cantante, o, lo que es característico de Adrian, patadas a un balde metalico.
Cada uno abre su camino en el mundo según su credo, distantes uno del otro, hasta que algo inevitablemente los conecta: una mujer.
Madeleine es la dueña de una galería que se dedica a hacer Exposiciones de artistas plásticos vanguardistas. Rubia, hermosa y muy habil con las palabras para impresionar, y para obtener coleccionistas que inviertan en el arte moderno de su galería.
¿Qué se mezcla con todo esto?
Amor, moral, opinión, ideologías, conceptos, límites y debates. Todo sustentado por personajes perfectamente definidos: músicos, compositores, pintores, artistas plásticos, coleccionistas, críticos, comerciantes, compradores.. y algunos más.


Seguramente más de uno se dtuvo a mirar las latas de Campbell de Andy Warhol o escuchó el Cuarteto para cuerdas y helicóptero de Stockhausen y se preguntó 

¿esto es arte?

¿Qué inspira al artista? ¿Quién entiende a los músicos? ¿Por qué un coleccionista elige una obra? ¿Qué hay detrás de todo esto?
Preguntas como esas aparecen explícita e implícitamente durante una hora y media de escenas, una mejor que la otra.

La verdad, me saco el sombrero ante los guionistas (el mismo director + Catherine DiNapoli) ya que en general aborrezco este tipo de debates sobre "el arte", sin embargo no solo lograron que me interese saber qué tenían para decir sino que también concordé con muchas de las ideas presentadas.

Por último, cosas obvias pero que no está demás explicitar: es una película muy estética, muy musical, con excelentes actuaciones, muy recomendable.

The adjustment bureau (2011)

Todo lo que tengo son las decisiones que tomo, y la elijo a ella. Pase lo que pase.

Parece ser una moda. Hollywood sigue redescubriendo la monumental obra de Philip K. Dick, quien murió hace ya 30 años. En este caso, tenemos una adaptación de su historia "Equipo de ajuste", donde Dick juega con los conceptos de determinismo vs. libre albedrío. Y el resultado es bueno. Muy bueno.

"The Adjustment Bureau" cuenta la historia de David Norris (Matt Damon), un joven político con un futuro prometedor quien acaba de perder las elecciones a senador. Se refugia en el baño de hombres del hotel Waldorf-Astoria para practicar su discurso, cuando se encuentra con Elise, una atractiva joven (Emily Blunt, robándose la película) escondida en uno de los baños con una botella de champagne.

Tienen química. Se rien. Se besan. Dave se inspira para su discurso. Y se ven forzados a separarse antes siquiera de poder decirse sus nombres.

Dave se obsesiona con Elise. Y, por accidente, termina conociendo al Buró de Ajuste: un misterioso grupo de hombres con sombrero que se encargan de ajustar la realidad de acuerdo al plan de un tal "Presidente". ¿Dios? "Algunos nos llaman ángeles", comenta, enigmáticamente, un agente. Hay un plan superior. Y el plan no contempla a Dave y Elise compartiendo un futuro juntos, por más que aparentan ser una pareja perfecta.

"The adjustment bureau" es dos películas en una. Es una drama romántico muy bueno, con Damon y Blunt sacándose chispas en la pantalla cada vez que comparten una escena. Y es una obra filosófica que lleva a pensar. La premisa de tener un destino no controlado por un Dios (o quizás si...) sino por un grupo de burócratas peleando por impresionar a sus jefes por un posible ascenso es intrigante, y la película la emplea de manera muy inteligente. Juega constantemente con la sensación que todos tenemos, en algún momento, de que nuestras vidas estan encarriladas. ¿Perdiste tus llaves? Quizás el Buró planeaba que llegaras tarde a alguna cita... o quizás fue solo mala suerte.

Una buena premisa no es garantía de una buena película (ver la desastrosa "In time"); "The adjustment bureau" es un ejemplo de lo contrario, una película entretenida, para compartir incluso en pareja, pero con un contenido y guión muy por encima del promedio actual. Llego al país como "Los agentes del destino" y es sin duda una de las películas mas interesantes del 2011. Recomendada.

In time (2011)

No estamos hechos para vivir así. No se supone que vivamos por siempre. 

"In time" transcurre en un futuro donde el tiempo es, literalmente, dinero. La gente deja de envejecer a los 25 años, pero, para seguir viviendo, debe trabajar y ganar tiempo, el cual corre segundo a segundo en un verde fluorescente a través de sus brazos. Es un mundo donde los pobres trabajan día a día para subsistir y pagan 5 minutos por un café, mientras que los ricos pueden, efectivamente, vivir por siempre.

Ahora, imaginen por un segundo el tipo de película que podría hacerse con ese concepto. El potencial. Las posibles situaciones. Argumentos. Los comentarios sobre el estado del mundo actual.

"In time" explora estas posibilidades... por no más de 20 minutos.

Will Salas (el ex-NSYNC Justin Timberlake) es un trabajador en un gueto de clase baja, quien tras un encuentro casual amanece con 100 años en su brazo. Es millonario. Se muda a una zona de clase alta donde conoce a Sylvia (Amanda Seyfried), con quien termina entablando una relación a lo Bonnie y Clyde, robando bancos para darles tiempo de vida a los pobres.
 
Que el argumento de la película se reduzca a eso es casi insultante. Aún más, "In time" casi no juega con las posibilidades que tiene a disposición. En un momento el padre de Sylvia presenta a su suegra, su esposa y su hija a Will, y resultan no solo tener la misma edad sino ser casi idénticas. Las implicaciones son interesantes, pero nunca terminan de ser desarrolladas.

Y, como si los protagonistas débiles y el mal argumento no fuese poco, "In time" esta llena de situaciones ridículas. Una máxima del cine dice que las películas no deben ser creíbles sino coherentes. Si vamos a aceptar el argumento, las situaciones deben tener (por lo menos) lógica dentro del mismo. No puedo escribir mucho más al respecto sin arruinar la película a quien aún no la haya visto, pero si puedo decir esto: prepárense para encontrarse con infinidad de situaciones sin sentido alguno, u incoherentes con lo que haya ocurrido 10 minutos antes.

Andrew Niccol (Gattaca, Señor de la guerra, El show de Truman) escribió y dirigió esta película, y lo cierto es que esta a años luz de sus anteriores producciones. La fotografía es hermosa. La idea es intrigante. Pero los actores principales son de segunda línea, el argumento digno de una mala película de acción y la falta de un mejor editor para el mismo arruinan lo que podría haber sido una obra maestra. No hay nada peor que el potencial desperdiciado.